Este capítulo trata sobre CARTAS (POSTALES)

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Cuando llegue a mi casa, dentro de unos días, tendré una postal de Japón enviada desde Madrid por alguien a quien no conozco.

Esa persona es , autora del Substack Raíces y Ramas, y las postales son sus huellas viajeras. María Luz viajó durante 22 meses entre 2024 y 2025 y mandó más de 100 cartas durante el viaje, incluida la Antártida. De vuelta en su casa, en Madrid, envió postales que ya había escrito pero se habían quedado sin enviar.

La que me espera en el buzón no es una de esas.

A María le sobran algunas cartas compradas en Japón y me propuso enviarme una. Yo acepté, y le le pedí que me escribiese lo que significa para ella el gesto de enviar postales. Revelaré su contenido en la próxima newsletter de finales de mayo.

Y es que, escribir y enviar una carta en estos tiempos de IA es, más que nunca, un acto de resistencia.

Una manifestación humana de que hay 3 cosas que nunca podrá replicar la IA:

1. El movimiento geográfico

2. Las experiencias vitales

3. La confesión de emociones

Últimamente, han ido surgiendo diferentes propuestas de correspondencia como las de y : lugares online donde recibir mensajes offline, en papel y desde la distancia. ¿Es esto un síntoma del ser humano revolviéndose contra la hipervirtualización del mundo?

Puede ser.

En este Laboratorio voy a hablar de cartas a través de:

• 🎨 Un viaje creativo: THIS WAS FOREVER UNTIL NOW

• 🧪 Un experimento: Cartas auto-aeropostales

• 🗺 Un destino creativo: Escribir desde los extremos del mapa

• 🔥 Un disparador creativo: PostSecret

• 📲 Un recurso TravelTech: Postcrossing

🎨 Un viaje creativo: THIS WAS FOREVER UNTIL NOW — Francesc Ruiz Abad

Esta es la historia de un viaje en autostop desde Cataluña a Hong Kong hecho obra de arte.

En This Was Forever Until Now1, de Francesc Ruiz Abad, la clave de la obra no está en el –larguísimo– trayecto, sino en el sistema que utilizó para trabajarlo: durante el viaje, fue enviando por correo paquetes que contenían las distintas etapas.

A lo largo del trayecto fue generando materiales —fotografías, postales, cuadernos escritos durante la ruta y objetos encontrados— que iba agrupando en cajas preparadas por él mismo. Cada dos semanas, Ruiz Abad enviaba a su casa estas cajas, las cuales funcionaban como un fragmento cerrado del viaje, una parte que dejaba de acompañarle mientras él seguía avanzando.

La obra se fue construyendo a medida que el viaje se iba vaciando. Cada envío fue una decisión sobre qué se quedaba y qué se soltaba.

🗺 Un experimento: Cartas auto-aeropostales

Durante la dictadura de Pinochet, un artista chileno superó la censura y el aislamiento del país a través del arte: sus pinturas aeropostales.

Dittborn plegaba sus obras dentro de sobres y las enviaba por correo aéreo a exposiciones fuera de Chile. De esta forma, lograba evadir la censura, permitiendo que su obra circulara internacionalmente.

Pero el formato postal no solo era instrumento político, también era herramienta artística: los pliegues, sellos, marcas y trayectos quedaban incorporados como memoria física del desplazamiento. En las exposiciones se mostraban las obras desplegadas (con sus dobleces) junto a los sobres (con sus magulladuras).

De esta obra de Dittborn surgió la inspiración para una acción artístico-narrativa que llamo Cartas auto-aeropostales

👉 El experimento:

Mandarme una postal a mí mismo desde el lugar donde estoy viajando: esa es una carta auto-aeropostal.

La primera fue desde Isla de Pascua, en 2019. Pero no fue el formato definitivo.

A las siguientes, desde Grecia, Lanzarote o Menorca, les añadí un factor extra que se acerca más a la obra de Dittborn: a cada postal, por la parte escrita, le añado hojas, ramas, objetos del lugar que tiznen la superfice. Después, envuelvo la postal con papel secante de cocina (para que no manche el sobre), meto el conjunto en el sobre y lo mando por correo postal.

El objetivo es que el propio destino y el viaje por correo queden reflejados en la postal, sobre mi letra escrita, a través de esos restos tiznantes que introduzco.

👉 Resultados del experimento:

Crear en viaje algo que haga hablar al territorio por el que me muevo: esa es, quizá, mi obsesión siempre que viajo. Y esta es una forma más que he encontrado (como las cianotipias portátiles que hice en mi viaje por Chile y que expliqué en el Laboratorio #20.

En las cartas auto-aeropostales, el destino, el trayecto y yo mismo hablan con el Dani Keral del presente (y del futuro). Pura experiencia orgánica y analógica que rescata momentos, trazos y restos del viaje.

🗺 Un destino creativo: Escribir desde los extremos del mapa

Hay lugares donde enviar una carta puede ser épico. Por ejemplo, la Antártida.

Alí se ubica Port Lockroy, una antigua base británica que funciona hoy como museo y oficina postal estacional, la más austral del mundo. Durante el verano, los visitantes escriben postales y las depositan en un buzón que, antes de entrar en el circuito postal, ya ha atravesado un territorio casi inaccesible.

En el extremo opuesto del globo esta Ny-Ålesund, en la isla de Svalbard, donde existe una pequeña oficina de correos dentro de un asentamiento científico. No es una ciudad ni un destino turístico al uso, sino un lugar de trabajo en condiciones extremas. Aun así, mantiene algo tan básico como un buzón: quien llega puede escribir y enviar una postal desde uno de los puntos habitados más al norte del planeta.

Ambos lugares comparten algo muy concreto: no tienen sentido práctico como centros de envío, pero siguen funcionando como tales. Porque las caratas postales son, hoy día, anécdota, resistencia y, por qué no, necesidad. En estos lugares, escribir una postal (a mano, sin IA) implica detenerse, pensar en alguien concreto y dejar constancia de un lugar que está fuera de lo habitual.

Y también me surgen dos preguntas: los carteros –no sé si miran el origen de los remites, ¿lo sabes tú?– que reparten estas cartas, ¿serán conscientes de lo excepcional y único de ese envío? ¿De la carga de responsabilidad que conlleva?

🔥 Un disparador creativo: PostSecret

Conocí esta preciosidad gracias a esta publicación de .

En 2004, Frank Warren convirtió la carta en un contenedor mínimo de algo que nunca se había dicho. Todo empezó con una propuesta sencilla: enviar por correo una postal anónima con un secreto personal nunca revelado.

El proyecto, denominado Postsecret2, empezó a crecer hasta reunir más de un millón de postales enviadas desde todo el mundo. Cada una es distinta: algunas contienen una frase directa, otras están trabajadas con recortes, dibujos o juegos tipográficos. Hay confesiones ligeras y otras que se quedan rondando durante horas. Como tiene que ser un secreto, vaya.

Cada domingo se publica una selección en la web donde, nada más entrar, aparecen las instrucciones para mandar tu secreto:

Y después, la sucesión de voces anónimas que han ido enviando sus postales.

Con los años, el proyecto ha derivado en libros y ha servido también para apoyar iniciativas de salud mental, pero lo que lo sostiene sigue siendo lo mismo que al principio: el gesto de escribir algo que nunca se ha dicho y dejarlo en un buzón.

La postal es un espacio limitado que obliga a ir al grano, no hay margen para rodeos ni para esconderse demasiado. Por eso, quizá, funciona: porque convierte la carta en algo más que en una herramienta de comunicación, hace de ella una forma de soltar lo que pesa.

📲 Un recurso Techlab: Postcrossing

Postcrossing3 es un proyecto ya veterano, creado por el portugués Paulo Magalhães en 2005. Se trata de una plataforma (con más de 800.000 miembros de 207 países) que sirve para intercambiar postales reales con personas desconocidas de cualquier parte del mundo.

El sistema es sencillo: te das de alta en la comunidad, pides una dirección, el sistema te asigna una al azar y envías la postal. Al mismo tiempo, tu dirección aparece en el sistema para otra persona, la cual te enviará su carta. Solo queda un paso: cuando llega a tu casa, tienes que registrar en la web para que aparezca como recibida.

Eso es lo que ha ocurrido hasta ahora con las más de 86 millones de postales que se han enviado en estos 21 años de vida del proyecto. Postales donde desconocidos cuentan su vida, sus viajes, sus pensamientos a otros desconocidos.

Hasta aquí esta edición del Laboratorio de viajes creativos.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, para que puedan experimentar una forma diferente de contar el viaje.

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Un abrazo y hasta el número #22, que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de mayo.

A mediados de mes también recibirás una preview del siguiente Taller Creativo.

Un abrazo

Dani Keral

👉 En este taller de biomateriales vas a aprender:

• Qué son los biomateriales y los bioplásticos

• Cómo transformar residuos encontrados en un viaje

• Qué materiales y herramientas necesitas

• Cómo hacer bioplástico de gelatina (duro y flexible) paso a paso

• Ideas para convertirlo en objetos: pendientes, piezas o recuerdos del viaje

Al final encontrarás también referencias al material original en el que se basa este taller.

Antes de hacer bioplásticos caseros…

… te cuento que este taller de biomateriales nace del trabajo de una amiga, Sonia, una de las personas más creativas que conozco. Ambos fuimos compañeros de carrera (fisioterapia) y ambos nos despegamos de esa vida profesional para apuntar a otros campos.

Sonia lleva años investigando en torno a la crianza, el juego y la creatividad, y ha desarrollado un trabajo muy sólido alrededor de los biomateriales. Tiene una newsletter aquí en Substack (), una web y una cuenta de Instagram donde comparte todos sus procesos. Fue ella quien me dio a conocer los biomateriales.

El contenido de este taller está basado en una publicación suya que me ha permitido adaptar parcialmente aquí. También las imágenes que acompañan el taller son el resultado de su práctica durante estos años. Al final he incluido un enlace al vídeo explicativo de la receta principal que voy a mostrar en este taller: el bioplástico rígido.

Así que, aunque este taller lo estoy guiando yo, en realidad está impartido por Sonia.

Qué es este taller de bioplástico (y por qué hacerlo en viaje)

La propuesta es sencilla: viajar y, al mismo tiempo, transformar. Cuando viajamos hay algo que siempre está ahí: residuos. Plásticos, fragmentos, restos que aparecen en playas, caminos o ciudades. También hay hojas, ramas, piedras… objetos encontrados que pueden formar parte de una creación en ruta (como las cianotipias, de las que hablo en este taller)

Este taller propone cambiar la relación con esos restos. En lugar de esquivarlos (o tirarlos), incorporarlos. Para ello, vamos a crear objetos nuevos con esas basuras contaminantes y objetos orgánicos que encontramos durante el viaje.

Es reciclar y convertir tu paso por el lugar donde viajas en un proceso creativo.

Qué son los biomateriales

Como explica Sonia en su publicación, los biomateriales son materiales de origen natural, generalmente orgánicos, que se utilizan como alternativa a los derivados del petróleo. Son materiales que parten de la biomasa —plantas, residuos orgánicos, sustancias naturales— y que, en muchos casos, son biodegradables.

Dentro de este campo hay muchas posibilidades, pero en este taller nos vamos a centrar en los llamados biomateriales “cocinados”. Es decir, aquellos que se crean a partir de una mezcla de ingredientes que se transforman mediante calor o procesos simples.

Es un ámbito todavía muy experimental. Y eso juega a favor: permite probar, ajustar y entender el proceso desde dentro.

Qué bioplástico vamos a hacer

En este taller vamos a trabajar con bioplástico de gelatina, que es uno de los más accesibles para empezar. Es el mismo con el que Sonia comenzó a experimentar, y sigue siendo uno de los más versátiles.

Nos vamos a centrar en la versión dura, que es la base más sencilla. A partir de ahí, quien quiera puede convertirla en flexible añadiendo glicerina.

Antes de nada, algo importante: es un proceso fácil de preparar, no requiere herramientas complejas y permite incorporar elementos dentro de la pieza. El resultado suele ser translúcido y cambia bastante según los ingredientes y el entorno.

Qué vas a encontrar en este taller

➭ Resumen de los pasos

• Preparar los materiales

• Mezclar los ingredientes en sus proporciones adecuadas

• Calentar la mezcla

• Añadir el vinagre

• Verter en moldes

• Incorporar los elementos recogidos

• Dejar secar

• Desmoldar

➭ Materiales necesarios y medidas para hacer bioplásticos

Ingredientes base

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En este capítulo el tema va a centrarse en el sur de CHILE, donde me encuentro aún en mi ruta de dos meses por el país.

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Ahora mismo estoy escribiendo desde Puerto Gaviota, en mitad de los fiordos y canales de la Patagonia chilena. Es decir, desde aquí (punto rojo)

o aquí

Todo este territorio al sur de Chiloé está salpicado por un puñado de poblaciones paralelas a la Carretera Austral a las que solo se puede llegar en barco en travesías de varias horas o días.

Y es que así es la Patagonia chilena: un laberinto –un desfile– de fiordos, glaciares, volcanes, cordilleras... Visto desde el cielo, parece como si se desmenuzase, dejando harapos peninsulares y esquirlas en forma de archipiélago. Desde una de esas esquirlas, te traigo varias historias vinculadas con este territorio.

En este Laboratorio voy a hablar del sur de Chile a través de:

• 🎨 Un viaje creativo: El viaje cantado de las ballenas

• 🗺 Un itinerario creativo: Ruta de iglesias patrimoniales de Chiloé

• 🗒 Un proyecto creativo: El legado de la lengua kawésqar

• 🔥 Un disparador creativo: La isla Friendship: un mito de los canales patagónicos

• 📲 Un recurso TravelTech: Marine traffic

🎨 Un viaje creativo: El viaje cantado de las ballenas

Hay un momento del año en el que el Pacífico empieza a llenarse de trayectorias invisibles. No se ven en el mapa, pero están ahí: desplazamientos que conectan las aguas cálidas del norte con el sur frío. Son los de las ballenas en migración.

Hace unos días zarpé desde Chiloé a través del Golfo de Corcovado hasta llegar al lugar desde el que estoy escribiendo, cerca de esas trayectorias invisibles. De hecho, tuve la suerte de observar una de ellas hace un par de días atrás, la de una ballena azul. Puedes verla en movimiento en esta publicación que hice en mi canal de Instagram.

El viaje comienza en el trópico, entre Colombia y Ecuador, donde nacen las crías. Cuando ese ciclo termina, inician el descenso. A medida que avanzan hacia el sur, el océano cambia: la temperatura baja, el agua se vuelve más rica y aparece el alimento. Ahí es donde aparece el golfo de Corcovado y el sistema de fiordos del sur de Chile, puntos clave dentro de ese recorrido para ballenas azules, sei, fin y jorobadas.

La escala del viaje es brutal: una jorobada, por ejemplo, puede recorrer entre 6.000 y 8.000 kilómetros, avanzando durante semanas y alternando momentos de nado, alimentación y descanso, sin establecerse de forma permanente en ningún punto del recorrido. Sería algo parecido a recorrer por tierra la distancia entre Madrid y el oeste de China sin detenerse apenas en ningún punto intermedio.

Durante ese desplazamiento ocurre algo fascinante: las ballenas también llevan consigo sus cantos y los hacen evolucionar en movimiento.

Las jorobadas emiten secuencias sonoras complejas que cambian con el tiempo. A lo largo del viaje, estas secuencias varían y se van propagando entre individuos y grupos que comparten rutas o zonas de contacto. Un cambio introducido en un punto del Pacífico puede aparecer meses después en otro, hasta llegar a sustituir completamente al anterior.

Cuando las ballenas llegan a la Patagonia chilena, no solo traen su cuerpo desde el norte. También traen una versión del canto que ya ha cambiado en el trayecto, y que seguirá cambiando hasta ser algo totalmente diferente.

🗺 Itinerario creativo: Ruta de iglesias patrimoniales de Chiloé

En la isla de Chiloé existen más de 150 iglesias de madera, de las cuales 16 han sido reconocidas como Patrimonio de la Humanidad.

Su singularidad no está solo en el número, sino en cómo están construidas. Son el resultado de un encuentro entre las misiones jesuíticas y el conocimiento local de la madera. No había piedra, pero sí bosques y una tradición carpintera muy vinculada a la construcción de embarcaciones. Su arquitectura tiene algo naval: estructuras ensambladas, con una lógica de piezas que encajan.

El exterior se protege con tejuelas —la mayoría de alerce— colocadas como escamas, capaces de resistir la lluvia constante del sur. Observarlas es una belleza. Sus patrones, sus texturas, sus colores. En el interior, la madera queda expuesta y ordena el espacio: arcos, vigas, repeticiones que generan una sensación de continuidad más que de monumentalidad. Cada iglesia responde a un mismo lenguaje, pero ninguna es idéntica. Cambian las proporciones, los tonos (muy variados y brillantes), la relación con el entorno…

Para recorrer las 16 iglesias Patrimonio, la Fundación Iglesias Patrimoniales de Chiloé creo la Ruta de las Iglesias de Chiloé1, un itinerario que conecta varias de ellas a lo largo del archipiélago. Hace unos años, para hacer aún más física la experiencia del recorrido, crearon un pasaporte donde aparece información de cada iglesia, el cual se sella en cada visita y va registrando el recorrido.

🧪 Un proyecto creativo: El legado de la lengua kawésqar

Imaginemos que este texto es un mapa de la Patagonia chilena; donde cada palabra es un islote; cada interlínea, un fiordo; cada coma, una tormenta. Dado este mapa, si hubiese que ubicar en él la diminuta aldea de Puerto Edén,

estaría aquí,

un refugio imprevisible aislado entre comas, una respuesta al vacío en mitad de un océano linguístico de fiordos, glaciares e intrincados canales de frases compuestas e hiperadjetivadas. Así sería su cartografía sintáctica.

Trasladado a un mapa real, se podría decir que Puerto Edén –ubicado mucho más al sur de donde estoy ahora– es uno de los lugares más aislados de Chile.

Allí vive —y resiste— una parte del pueblo kawésqar, pobladores originarios, antaño nómadas del mar. Durante siglos, su vida se organizó en torno a desplazamientos constantes con zonas de paso y lugares donde detenerse el tiempo justo. Esa forma de vida implicó también una forma de memoria oral y ligada al movimiento. Y una lengua que parece una tormenta y que se escribe así:

“Ksqája-kuestál-herré-astál čečél sos čečáuks-terré akér ječéčal kuos. Æskiúk æs-kar kotéjo lóisekué- ker ka kuteké afsé čečel-s kok čeá kuos aqak’éna-sekué-akstá-ar æsk’ák kep-s kóka kep jejá kuos aqájeks-sekué kutálap”

Este texto es la voz transcrita de Gabriela Paterito, una de las pobladoras más ancianas de Puerto Edén y una de las pocas personas que aún mantienen vivo el idioma kawésqar. Aparece en el libro Gente de los canales: relatos de vidas de los kawésqar, obra del antropólogo Óscar Aguilera y el profesor y habitante nativo de Puerto Edén José Tonko Paterito.

Se trata de relatos de vida, fragmentos de experiencia ligados al territorio y transcripciones ortográficas del trabajo de grabación sonora que llevaron a cabo ambos con los habitantes originarios de la aldea entre 2010 y 2014. Aguilera y Tonko son, a su vez, los autores de la Gramática y el Alfabeto Oficial de la Lengua Kawésqar, la cual trata de salvar del olvido una lengua que recorrió los canales patagónicos y que está cerca de extinguirse.

🔥 Un disparador creativo: La isla Friendship: un mito de los canales patagónicos

Ahora mismo, en Puerto Gaviota, me encuentro a escasos 150 kilómetros en linea recta de una isla que podría ser la solución a una historia enigmática que circula por Chile desde hace décadas: la de un territorio donde vive una comunidad apartada, con conocimientos científicos muy avanzados y un contacto muy limitado con el exterior. Se trata de la mítica Isla Friendship.

El relato sobre Friendship empezó a difundirse por el país a finales del siglo XX, a partir de testimonios de radioaficionados que afirmaban haber establecido comunicación con sus supuestos habitantes. Desde entonces, la historia ha ido cambiando de forma, pero ha mantenido siempre esa idea de lugar inaccesible y difícil de comprobar.

Nunca se ha podido localizar con precisión, aunque hay una hipótesis que intenta anclar el mito a un punto concreto: la isla Kent, en la región de Aysén. La isla que, como he dicho, se encuentra a 150 kilómetros de donde estoy.

La relación no es arbitraria. La isla Kent pese a la “corta” distancia a Puerto Gaviota, se encuentra en una zona extremadamente aislada, dentro de un entramado complejo de fiordos, canales e islas donde la navegación es difícil y la presencia humana es escasa. Llegar a ella requiere proximidad, un buen barco y bastantes horas de navegación.

Leonardo, el dueño de la pensión donde nos alojamos también tiene la idea de que, quizá, Kent sea la mítica Friendship. De hecho, dentro de sus planes de hacerse con una embarcación más grande para hacer actividades con turistas, está hacer expediciones de varios días hasta Kent. ¿Quién sabe? Quizá, dentro de unos años, pueda decir que conocí al descubridor de la isla Friendship y que desayuné con él tortitas de plátano.

Si ocurre (y aún tengo activa esta newsletter), os lo contaré.

📲 Un recurso TravelTech: Marine traffic

Esto es una fotografía de todos los barcos que circulan en el mundo:

Se puede ver a través de la web Marine traffic2, donde se muestra de forma interactiva y en tiempo real el tránsito marítimo.

En ella se puede monitorear el desplazamiento de cargueros, petroleros (es curioso, por ejemplo, visualizar estrecho de Ormuz, punto caliente con el ecosistema geopolítico actual), cruceros... También se pueden ver los barcos más pequeños, como el que me ha traído hasta Puerto Gaviota, la nave Queulat, que conecta los canales y el golfo de Corcovado con el sur de Chiloé.

Para usuarios como yo, no es más que una curiosidad, pero permite también tomar conciencia de lo ajetreado que es, en realidad, el tránsito marítimo.

INCISO:

En la newsletter anterior hablé de un experimento que estoy haciendo en ruta, las cianotipias portátiles o ecocianotipias. Son cianotipos que respetan a la planta: los hago sin cortarla, in situ. Esto, aparte de más respetuoso con ella, hace que el resultado sea aún más experimental y esté más ligado a la ruta y a las coordenadas de viaje. Estos son los que llevo realizados por el momento:

👉 Si te interesa la cianotipia, puedes aprender online en el taller de cianotipia que publiqué en mis Talleres Creativos.

Hasta aquí esta edición del Laboratorio de viajes creativos.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, para que puedan experimentar una forma diferente de contar el viaje.

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Un abrazo y hasta el número #21 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de abril (ya estaré de vuelta a España y continuaré con las publicaciones habituales del Laboratorio).

A mediados de mes también volveré a a enviar los Talleres Creativos, tras la pausa que he hecho durante el viaje.

Un abrazo

Dani Keral

En este capítulo me encuentro en ruta de dos meses por CHILE

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Ahora mismo estoy escribiendo desde el desierto de Atacama. Esta fase del viaje estoy recorriendo de Santiago hacia el norte, hasta Antofagasta. El mes siguiente iré hacia el sur, a la Patagonia chilena (zona que recorrí profundamente hace unos años, pero de la que aún me quedaban puntos muy aislados. Hablaré de ello en el siguiente Laboratorio).

Los protagonistas de esta parte de la ruta son el desierto de Atacama y el valle del Elqui. En este último es donde nació alguien que va a ser epicentro de este Laboratorio: la poeta y premio Nobel de Literatura Gabriela Mistral.

En este Laboratorio voy a hablar de Chile a través de:

• 🎨 Un viaje creativo: “Poema de Chile”, de Gabriela Mistral

• 🗺 Tres itinerarios creativos: La Ruta del Desierto, La Ruta de Las Estrellas y la Ruta de Gabriela Mistral

• 🧪 Un experimento: Micro-cianotipias portátiles

• 🔥 Un disparador creativo: Combinar geografías físicas y literarias

• 📲 Un recurso TravelTech: Sky Tonight

🎨 Un viaje creativo: “Poema de Chile”, de Gabriela Mistral

Imagina escribir un libro durante 20 años y morir antes de verlo publicado. Eso es lo que le ocurrió a Gabriela Mistral con su proyecto más ambicioso, el “Poema de Chile”. Durante todo ese tiempo, y hasta el día de su muerte, la escritora estuvo componiendo un gran canto a su país en forma de viaje: una ruta de norte a sur.

He de confesar algo: no sabía nada de este libro hasta este viaje a Chile (nunca leí en profundidad a Mistral). Supe de su existencia visitando el Centro Cultural Gabriela Mistral de Santiago y, días después, lo encontré (o me encontró) por puro azar en un mercado de libros de segunda mano –envuelto en plástico, para protegerlo de los manoseos–, en un pequeño pueblo costero de Chile.

A través de sus más de 130 poemas, Mistral narra, verso a verso, los paisajes, naturaleza, sentimientos y gentes de Chile. Lo hace, por ejemplo, así:

Parece que a cada paso 
nos tomara su mano ardiendo. 
Parece que es él no más 
y su compadrazgo, el viento. 
Parece que te engañase 
con burla, conseja o cuento, 
pero el Desierto se llama 
dentera, castañeteo,
la garganta ensalmuerada 
y todo tactos de fuego.

Se trata de una geografía poética que la autora (de vida diplomática) escribía y transportaba siempre consigo, viajase donde viajase. Lo mismo ocurre con otros dos objetos de los que hablaré en la sección Itinerarios creativos. A través de esta geografía sentimos la sed del desierto, el rumor estelar del valle de Elqui (donde ella se crió) o los crujidos del hielo patagónico. Una forma poética de conocer un país que reúne practicamente todos los paisajes de la Tierra y que Mistral convirtió en poesía.

🗺 3 Itinerarios creativos: La Ruta del Desierto, La Ruta de Las Estrellas y la Ruta de Gabriela Mistral

En este viaje de Santiago hacia el norte he recorrido tres grandes rutas turísticas creativas de Chile. La del Desierto, la de las Estrellas y la de Gabriela Mistral.

La Ruta del Desierto

¿Cuántos desierto caben en un desierto? Esa es la pregunta que me venía a la cabeza mientras conducía a través del gigantesco desierto de Atacama, el más seco de la Tierra.

El recorrido que hice forma parte de la llamada Ruta del Desierto, que conecta distintas poblaciones ubicadas en medio de la aridez. “¿Y quien querría recorrer un desierto?”, os preguntaréis algun@s. Yo soy más de paisajes verdes y fértiles, lo reconozco, pero observar los territorios –infinitos, hipnóticos– de esta ruta, en constante cambio de texturas y colores es una sensación que recomiendo encarecidamente a quien le guste experimentar durante sus viajes.

Ruta de Las Estrellas y Ruta de Gabriela Mistral

Estas dos rutas comparten geografía: el espectacular Valle de Elqui. Excavado a un costado de los Andes, relativamente cerca de la ciudad de La Serena, se ubica uno de los puntos turísticos más variados de Chile a nivel creativo. Aquí se pueden encontrar –aparte del pisco, una de las bebidas emblema de Chile– algunos de los mejores cielos para practicar astroturismo y, en paralelo, visitar los lugares más ligados a la figura de Gabriela Mistral.

La Ruta de las Estrellas es un itinerario por poblaciones y observatorios estelares que invitan a contemplar e interpretar el cielo nocturno y las historias que ha generado en la cultura humana desde nuestros orígenes.

Por otro lado, la Ruta de Gabriela Mistral recorre las poblaciones de Vicuña (donde nació la poeta) y Montegrande (donde vivió durante su infancia y donde está su mausoleo).

En cada una de estas poblaciones se encuentra una casa-museo dedicada a la escritora, aunque la más completa y recomendable es la de Vicuña. Aquí es donde aprendí (ya con el “Poema de Chile” en mano) cosas sorprendentes de la Nobel chilena, como que siempre viajaba con dos objetos: una tabla de madera para escribir ("la mesa de escritorio nunca me sirvió para nada", dijo) y un saco de arena de Montegrande.

Otro detalle que me sorprendió descubrir fue la relación tensa/agridulce que mantuvo Mistral con Chile (o viceversa). A pesar de su éxito mundial, la élite intelectual chilena la rechazó por ser una mujer de provincia, autodidacta y ajena a los círculos de Santiago. La crítica la encasilló como una simple “maestra rural”, ignorando su profundidad política y cultural. Un ejemplo claro de esto fue que Chile le otorgó el Premio Nacional de Literatura… ¡seis años después de haber ganado el Nobel!

🧪 Un experimento: Micro-cianotipias portátiles

Hace unos meses publiqué mi Taller de Cianotipia, donde explicaba el proceso básico de esta técnica artesanal de fotografía. Lo hice mostrando un conjunto de cianotipias de materiales que recogí durante un viaje de tres meses por Europa.

Para este viaje de Chile me propuse darle un giro y hacer una técnica más respetuosa con el medio y más ligada con el propio lugar: las cianotipias portátiles.

👉 El experimento:

Las cianotipias portátiles consisten en realizar la técnica en el propio lugar donde se encuentra la planta (o material a cianotipar), sin arrancarla ni llevármela.

Para ello, preparé un papel con la mezcla y lo dejé secar. Como el objetivo era llevarlo de viaje y que ocupase poco espacio, lo recorté en láminas del tamaño de una tarjeta de visita. Para almacenarlos, construí una carpetilla de cartulina negra a medida. Era importante el color negro, ya que debe evitar el paso de la luz solar.

Lo más “complicado” de esta técnica es el manejo de las láminas ya preparadas: hay que extraerlas una a una de la carpetilla sin velar el resto y colocar rápidamente el objeto (flor, hoja…) a cianotipar, sin mucho tiempo a hacer la composición (en cianotipia normal, como tienes la flor seca, puedes hacer la composición bajo luz artificial y, desde ahí, sacarla al exterior).

Para darle un carácter más “científico” al experimento, detrás de cada lámina anoté datos de día, hora, tiempo de exposición, situación climatológica…

En este reel muestro el proceso con una de esas micro-cianotipias.

👉 Resultados del experimento:

Pese a que las cianotipias que he hecho con materiales recogidos han quedado más “bellas” y correctas que las hechas in situ, realizar este tipo de cianotipia ha tenido dos grandes ventajas:

1. El componente ecológico y respetuoso con el medio, ya que no tuve que decapitar ninguna flor ni planta, ni llevarme ningún objeto de lugar. Con el tiempo, durante mis viajes, me he ido dando cuenta que es mejor dejar en el lugar lo que es del lugar.

2. La segunda gran ventaja es que realizar esta cianotipia tiene un componente mucho más ligado a la propia ruta y al propio viaje: por tener que rastrear el territorio en busca de la pieza ideal (por ubicación, facilidad de colocación respecto al sol…), por el proceso de colocación in situ (en bastantes casos tuve que sujetar la lámina yo mismo durante los 3-6 minutos que duraba la exposición solar) o por el mero hecho de que esa cianotipia fue creada en las coordenadas del viaje y no de vuelta, en mi casa.

🔥 Un disparador creativo: Combinar geografías físicas y literarias

Siempre que viajo intento hacerlo con un libro que hable del lugar por el que me voy a mover. En eso consiste el meta viaje: recorrer un lugar al mismo tiempo que lo hago a través de lo que han escrito otros que viajaron antes que yo.

Pero no solo me quedo ahí: el momento de máximo disfrute, el que alcanza el punto de “disparador creativo” es cuando leo un pasaje concreto sobre un lugar ubicado EXACTAMENTE en ese lugar. Llámame raro, pero ese momento es muy, muy especial para mí. Me hace pensar en qué miraría exactamente, donde estaría ubicada, qué sentiría la persona que lo escribió.

Con “Poema de Chile” he hecho esto en dos momentos de esta ruta por Chile: el Valle de Elqui y el desierto de Atacama. Mistral dedica varios poemas a ambos lugares, en especial al Elqui. Al leer estos últimos, rodeado de montañas, sentí como una voz de gratitud de la poeta, por leerla, por leerla allí y por intentar conectar con las emociones que los motivaron.

📲 Un recurso TravelTech: Sky Tonight

Viajar con una bebé de 2 años tiene un gran hándicap: las actividades nocturnas quedan bastante limitadas, cuando no anuladas. Ese es el caso de las actividades de astroturismo que se pueden hacer en el Valle de Elqui, como la visita a un observatorio.

Sin embargo, el cielo del valle es tan sumamente limpio que un smartphone y una tumbona pueden servir de sustituto. Así hicimos mi pareja y yo, usando la App Sky Tonight, que permite interpretar en tiempo real el cielo nocturno, dando información de cada punto del cielo que mires y toques.

Así pudimos ubicar la Cruz del Sur y otras constelaciones australes (tan distintas a las de nuestro cielo boreal) y descubrir la intrahistoria de algunas de sus estrellas más luminosas.

Hasta aquí esta edición del Laboratorio de viajes creativos.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, a ver si les apetece apuntarse al Laboratorio.

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Un abrazo y hasta el número #20 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de febrero. Aún me encontraré en ruta, por el sur de Chile.

A mediados de mes también es posible que vuelva a enviar los Talleres Creativos, que puse en pausa durante este mes con motivo del viaje.

Un abrazo

Dani Keral

Este capítulo va a tratar sobre libros.

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Mi ensayo-cabecera de este número iba a empezar con un “No me acuerdo del primer libro que leí en mi vida”. Pero no puedo obviar uno de los temas en torno a los libros que ha incendiado las redes durante los últimos días: el cierre, tras 15 años de vida en el barrio madrileño de Tribunal, de una de las librerías míticas de la ciudad: Tipos Infames.

Esta ha sido una demostración de cómo hasta los proyectos más consolidados pueden caer con un simple soplo: el de la locura de los precios de alquiler que están asolando el centro de las grandes ciudades. Y digo asolando: no (solo) gentrificando, no (solo) homogeneizando.

Asolando.

Porque todo proyecto que se escape al de las grandes cadenas de consumo masivo (las únicas que, ahora mismo, pueden hacer frente a esos precios) está destinado a morir. Y más aún proyectos como lo era Tipos Infames. Porque había libros, pero había mucho más: había curación, había lecturas, había alternativas. Había cultura. Y esto no solo hace morir los proyectos alternativos, también hace morir a las propias ciudades donde se ubican,

Poco a poco, en un proceso que avanza como una infección silenciosa, las urbes se van convirtiendo en lugares habitados por forasteros que visitan tiendas que podrían estar en el centro de cualquier capital del mundo. Como un extraño viaje espacio-temporal donde te puede dar igual estar en Tribunal como en el Soho (da igual el Soho del que hable). ¿Qué solución hay? Una que conlleve a cuidar más lo que queremos que haga vibrar una ciudad: su singularidad. Con la destrucción de Tipos Inframes, la infección ha avanzado un poco más en mi ciudad natal. Lástima. Rabia.

Y ahora, vuelvo brevemente al tema que sí iba a tratar: no consigo acordarme de ese PRIMER LIBRO que leí en mi vida.

Este detalle, para la persona que soy ahora mismo que adora ver, oler, tocar, leer un libro, es una pequeña espinita clavada. Si me ofreciesen mirar por una ventanita directa al pasado, esta sería una de esas cosas que me gustaría hacer: presenciar el momento en el que leí mi primer libro.

¿Tú te acuerdas del primer libro que leíste? ¿Cuál fue?

Puedes responderme:

• A este correo (de hecho, es algo que me puede ayudar mucho: hace que Gmail y otros servidores de correo no me manden al Spam o a otras carpetas no tan deseables)

• Respondiendo a esta entrada (se publicará en Substack)

• En el chat del Laboratorio que, a partir de esta edición, he abierto para todos los suscriptores, tanto a los gratis como a los de pago (que pueden leer los Talleres Creativos). Este chat puede funcionar a modo de foro por lo que estáis invitados a abrir conversaciones o seguir las que yo inicie.

En este Laboratorio voy a hablar del libro a través de:

• 🎨 Un viaje creativo: La Biblioteca del Bosque

• 🗺 Un proyecto / itinerario creativo: The Library of Unread Books

  - ATENCIÓN: aquí te hago una pregunta

• 🧪 Un experimento: Future Library

• 🔥 Un disparador creativo: Book from the Ground de Xu Bing

• 📲 Un recurso TravelTech: Libby: millones de libros en un bolsillo

🎨 Un viaje creativo: Miguel Ángel Blanco y La Biblioteca del Bosque

La Biblioteca del Bosque del artista Miguel Ángel Blanco comenzó en el año 1985 y se alimenta de sus caminatas por bosques, montes y otros territorios naturales. Estos desplazamientos no son paseos recreativos, sino ejercicios de atención y creación visual.

El proceso comienza caminando. Cada libro-caja es el resultado de un paseo atento por el bosque: recorrerlo sin rumbo productivo, observar, detenerse, recoger solo aquello que el propio lugar ofrece —hojas, musgos, semillas, fragmentos de madera, polvo, restos minerales—. No hay extracción ni colección sistemática, sino un gesto de escucha.

Después, en el taller, esos materiales se ordenan en cajas-libro concebidas como microcosmos. No ilustran el bosque: lo condensan. Cada volumen responde a una experiencia concreta, a un momento vivido, a una estación, a una intuición. El libro se convierte así en archivo sensible del territorio y en forma de conocimiento no verbal. Todos ellos (más de 1200) forman La Biblioteca del Bosque, ubicada en el entorno del Valle de la Fuenfría, en la Sierra de Guadarrama, el mismo lugar donde habita Blanco desde los años ochenta.

La Biblioteca del Bosque es un gigantesco ensayo silencioso sobre cómo habitamos el mundo. Frente a la velocidad contemporánea, su método propone otra temporalidad: la del caminar lento, la recolección cuidadosa y la escucha. Analizar su obra es, en el fondo, analizar una ética. La del cuidado, la del límite, la de entender el libro no como producto final, sino como huella de un proceso. Un libro que no se “consume”, sino que se visita, como se visita un bosque.

Mi mente vuelve a Tipos Infames… ¡Cuánto deben aprender las ciudades de los bosques!

🗺 Itinerario/ proyecto creativo: The Library of Unread Books

The Library of Unread Books es un proyecto iniciado por que se presenta como una biblioteca compuesta exclusivamente por libros que no han sido leídos por quienes los donaron. Cada ejemplar llega acompañado del reconocimiento explícito de ese no-leer, que forma parte esencial del proyecto.

Los libros no están sellados ni apartados: forman una biblioteca abierta al público, accesible para la lectura dentro del espacio expositivo. El proyecto no prescribe cómo deben leerse ni qué debe hacerse después. No hay obligación de terminar el libro, comentarlo o producir un texto a partir de él. Leer —o no leer— sigue siendo una decisión personal.

La biblioteca se concibe como un espacio activo, donde el libro se entiende como potencial, no como logro. Un lugar que cuestiona la presión cultural asociada a la lectura, el prestigio acumulativo y la idea de que leer siempre equivale a avanzar.

Más que celebrar el acto de leer, The Library of Unread Books pone el foco en todo lo que rodea al libro antes de ser abierto: deseo, expectativas, tiempo aplazado. Un itinerario creativo que transforma la biblioteca en un lugar para pensar nuestra relación con los libros y con aquello que dejamos pendiente.

Aquí está la pregunta (bueno, son dos)

¿Te gusta escribir? ¿Quieres convertir tus viajes en historias que otros lean, sientan y recuerden?

A comienzos de febrero empieza el Máster en Narrativa de Viajes de la School of Travel Journalism donde imparto el módulo de Escritura Creativa de Viajes (te adelanto que hay profesores MUY TOP, como Gabi Martínez, Patricia Almarcegui, Ismael Nafría o Suso Mourelo, por citar algunos nombres)

Exploraremos cómo transformar experiencias viajeras en textos vivos, auténticos y con voz propia. Cómo estructurar un relato (vale para ficción también). No se trata de fórmulas, sino de encontrar tu mirada mientras caminas, observas y escribes.

En este enlace tienes info, pero si te interesa, escríbeme y te cuento más (OJO con un GRAN beneficio si eres lector/a mío/a 😉).

🧪 Un experimento: Future Library

Un libro que no puede leerse. Un bosque que crece para lectores que aún no existen.

Concebido por la artista escocesa Katie Paterson, el proyecto Future Library, ubicado en Noruega, no propone una utopía, sino un gesto preci(o)so: suspender el presente y confiar en el tiempo. La pregunta es sencilla y desestabilizadora: ¿qué es un libro cuando renuncia a ser inmediato?

👉 El experimento:

Cada año, un autor o autora es invitado a entregar un manuscrito inédito. Ese texto no se publica, no se difunde, no se comenta. Se deposita sellado en una sala especial de la biblioteca pública de Oslo, donde permanecerá guardado hasta el año 2114.
Paralelamente, en 2014 se plantó un bosque en Nordmarka, a las afueras de la ciudad. A cada manuscrito le corresponde simbólicamente un árbol de ese bosque. No se elige por prestigio, especie o metáfora: la relación es deliberadamente sencilla. Texto y árbol comparten calendario. Crecen juntos.
Dentro de cien años, los árboles serán talados para fabricar el papel con el que se imprimirán los libros. El soporte no precede al texto: lo acompaña.

👉 Resultados del experimento:

Future Library desplaza el libro del mercado al tiempo largo. Escribir deja de ser un acto de respuesta inmediata y se convierte en confianza. El autor escribe para un lector desconocido; el lector heredará una voz del pasado.
El libro ya no es solo texto, sino proceso: espera, materia viva, transmisión intergeneracional. Aquí, leer no es consumir, sino recibir. Y quizá, en ese aplazamiento, el libro recupera algo esencial: su capacidad de durar más que nosotros.

Esta es la web de Future Library (que, por cierto, es bellísima)

🔥 Un disparador creativo: Book from the Ground — Xu Bing

Un libro sin palabras. O, mejor, un libro hecho de los signos que usamos sin pensar: iconos, pictogramas, símbolos universales del mundo digital. Xu Bing construye una narración completa sin una sola letra.
El disparador es potente: ¿qué entendemos realmente cuando leemos? ¿Cuánto de nuestra vida cotidiana ya se mueve en un lenguaje no verbal, estandarizado, global?
Book from the Ground nos obliga a leer de otra manera, a descifrar en lugar de interpretar. El libro se convierte en espejo de un mundo donde la comunicación es veloz, visual y, a veces, inquietantemente homogénea.
Es un libro que no se apoya en la literatura, sino en la experiencia compartida. Leerlo es reconocerse en una gramática colectiva, hecha de pantallas, gestos y hábitos contemporáneos.

📲 Un recurso TravelTech: Libby: millones de libros en un bolsillo

Libby1 es una biblioteca portátil que cabe en el bolsillo. Una app que conecta bibliotecas públicas con lectores en movimiento. Viajar con Libby es viajar ligero: sin peso, sin prisa, sin acumular.
Más que un recurso tecnológico, es una herramienta de continuidad lectora. Permite que los libros acompañen los trayectos, los tiempos muertos, las esperas. El libro se adapta al viaje, no al revés.
Hay algo profundamente democrático en esta idea: acceder a miles de libros con un simple carnet de biblioteca. Sin posesión, sin exhibición. Solo lectura.
Libby devuelve al libro una cualidad nómada. Nos recuerda que leer también es una forma de desplazamiento, y que las mejores bibliotecas no siempre tienen paredes.

Y hasta aquí esta edición del Laboratorio de viajes creativos.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, a ver si les apetece apuntarse al Laboratorio.

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Un abrazo y hasta el número #19 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de febrero.

A mediados de mes también suelo enviar los Talleres Creativos. Sin embargo, el mes que viene aún no estoy seguro de sí habrá: comienzo un viaje de 2 meses por Chile y no sé el margen de tiempo y maniobra que tendré.

Un abrazo y, como dice en cada cierre de su newsletter "Solaris”, mucha suerte, la estamos necesitando.

Dani Keral

En este taller voy a enseñar a utilizar un mapa como superficie de trabajo para crear un diario de viaje usando dos formatos de libros artesanales: el libro con pliegue en X y el pliegue en acordeón en zig zag simple

Para ser breve y directo:

Qué vas a encontrar en este taller de diario de viaje artesanal paso a paso

Esto es lo que vas a aprender en este taller:

➭ Qué es y cómo hacer un diario/cuaderno de viaje
➭ Cómo usar un mapa a modo de diario de viaje.
➭ Cómo hacer un diario con dos formatos de libros artesanales: el libro con pliegue en X y el libro en acordeón en zig zag. Paso a paso, con imágenes y vídeo tutorial.

Qué es y cómo hacer un diario/cuaderno de viaje

Un diario de viaje no es un cuaderno para contar todo lo que ocurre, sino para aprender a mirar. Es un espacio donde el viaje —externo o interno— se posa, se detiene y deja rastro. Un lugar donde el mapa deja de ser solo orientación y se convierte en territorio vivido.

Un diario de viaje es, ante todo, una herramienta de atención. No exige grandes proezas narrativas ni talento artístico previo. Pide algo más sencillo y, a la vez, más difícil: presencia. Estar. Escuchar. Darse tiempo.

Para qué sirve un diario de viaje

• Para recordar mejor, no desde la nostalgia, sino desde la experiencia encarnada.

• Para pensar mientras se camina y seguir pensando después.

• Para dialogar con el lugar, en vez de solo consumirlo.

• Para entrenar una mirada más curiosa, más sensible, más propia.

A veces el diario no se escribe durante el viaje, sino después. O antes. O mucho más tarde. No importa. El tiempo del cuaderno no es lineal: funciona por capas, como los mapas antiguos.

Cómo se hace un diario de viaje (de forma general)

No hay una única manera, pero sí algunas actitudes que lo sostienen:

1. Elegir un soporte con intención
   El cuaderno no es neutro. Su forma, su tamaño, su papel condicionan la experiencia. Un diario de viaje no es solo contenido: es objeto, peso, textura. Se abre y se cierra como se abren y cierran los caminos.

   En este taller voy a enseñar a usar un mapa ya definido como soporte para crear el diario de viaje. De esta forma, se obtiene lo mejor de ambos: la geografía emocional y la memoria transcrita.

2. Partir de un punto de partida claro
   Puede ser un lugar, una ruta, una pregunta, un mapa ya existente. Algo que funcione como eje, no como límite. El diario no ilustra el mapa: dialoga con él.

3. Registrar sin jerarquías
   Todo cabe. Lo importante y lo aparentemente banal. Una conversación oída al pasar. El color del cielo a una hora concreta. Una incomodidad física. Un pensamiento que aparece caminando. No se trata de escribir bien, sino de anotar a tiempo.

4. Combinar lenguajes
   Texto, dibujo, esquemas, símbolos, manchas, collage. El diario agradece la mezcla porque el viaje nunca se vive en un solo idioma. A veces una línea dice más que un párrafo. A veces una palabra basta.

5. Aceptar el error y lo incompleto
   Un diario de viaje no se corrige: se habita. Las páginas torcidas, las frases a medias y los silencios también cuentan el viaje. No hay que llenar todo. El blanco también es paisaje.

6. Volver a él
   El diario no termina cuando acaba el viaje. Se relee, se revisita, se transforma. Con el tiempo, se convierte en un mapa de mapas: una cartografía personal de cómo miramos el mundo en un momento concreto de nuestra vida.

En esencia, hacer un diario de viaje es caminar dos veces: una con el cuerpo y otra con la memoria. Es aceptar que viajar no es desplazarse, sino prestar atención. Y que un cuaderno —humilde, artesanal, imperfecto— puede ser el mejor lugar donde ese viaje, al fin, se quede a vivir.

Cómo usar un mapa a modo de diario de viaje

Los mapas son la perdición de todo viajer@. Poner una vista sobre un mapa significa ponerse a soñar de inmediato y, si a este le suma un diario de viaje, el combo se convierte en la esencia pura del viaje.

Este es mi objetivo con este taller: crear un artefacto que contenga esa esencia pura.

Hay múltiples formas de usar un mapa como diario de viaje. La que voy a mostrar usa esa superficie en blanco (el anverso) de muchos mapas que se pueden encontrar en hoteles, oficinas de turismo, estaciones… Es decir, vamos a convertir esa superficie perdida de la parte posterior del mapa en hojas de un cuaderno de bitácora.

Para ello me voy a servir de dos técnicas de elaboración de libros artesanales plegados: la de libro en X y el libro en acordeón en zig zag.

Cómo hacer un diario de viaje mediante pliegue en X y pliegue en acordeón zig zag simple

A continuación voy a mostrar los pasos (con video tutorial) para crear estos dos tipos de libros artesanales plegados.

Cada uno ofrece una experiencia táctil distinta (el pliegue como viaje sobre el papel) pero, sobre todo, permite que haya superficies libres y fáciles de emplear para la escritura del diario de viaje. He escogido estos dos porque ambos permiten el formato de escritura en forma de cuaderno.

Materiales para hacer un diario de viaje en formato libro con pliegue en X y en acordeón zigzag.

• Base de corte

• Cuchilla o cutter

• Regla metálica para trazar los cortes con la cuchilla

• Un mapa (tamaño din A4 o, al menos, con formato rectangular) con la parte posterior en blanco (es la que se utilizará como superficie de escritura del diario.

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Para quienes me leéis por primera vez (bastantes habéis llegado estos días a través de las newsletters de e ), esta es la versión principal y gratuita de mi newsletter, que se envía el último viernes de mes. A mediados de mes envío los Talleres Creativos, que son la versión de pago.

Para mis lectores habituales: he aparecido en esas newsletters porque mi Laboratorio fue elegido junto a otros 8 boletines para participar en el Microfestival Fanzines y Newsletters, que tuvo lugar en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid. Fue una experiencia muy bonita e inspiradora.

Este capítulo va a tratar sobre el Camino de Santiago.

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En el Laboratorio #41 hice una confesión: “uno de los mayores errores que he cometido” fue comprar una casa y mudarme, junto a mi pareja, a la ciudad de Vigo. De eso hace más de 3 años. No quiero entrar en polémicas con los vigueses que leáis esta newsletter: simplemente, Vigo no nos encajó ni nosotros encajamos en ella.

Lo intentamos. De verdad. De hecho, acabábamos de rehabilitar la casa y dejarla a nuestro gusto, lo cual hizo que la decisión fuese dolorosa… pero era necesario un cambio. Hace un mes sucedió: nos mudamos de vuelta al lugar donde estábamos antes de ir a Vigo, un pueblo a pocos kilómetros de Santiago de Compostela.

Para nosotros, ha sido nuestro particular Camino de Santiago.

El Camino de Santiago surge en la Edad Media como una gran ruta de peregrinación cristiana hacia la tumba del apóstol Santiago. Durante siglos fue un itinerario espiritual y penitencial: se caminaba para pedir perdón, cumplir promesas o buscar reconciliación interior. Desde su origen, caminar hacia Santiago significó poner el cuerpo en movimiento para ordenar el alma.

Poner el cuerpo en movimiento para ordenar el alma.

Vigo (y múltiples circunstancias asociadas) nos han desconfigurado. Mucho. Necesitábamos esa vuelta, esa ordenación. Esa calma. En este pueblo (desde donde escribo ahora), la hemos vuelto a encontrar.

El Camino de Santiago es un tema bastante trillado, por lo que en este capítulo voy a intentar explorarlo y ofrecer versiones diferentes a través de:

• 🗺 Un itinerario creativo: Arquitecturas del cuidado: cuando el Camino se hizo “sobrevivible”

• 🎨 Un viaje creativo: Nubes de memoria

• 🧪 Un experimento: Matrioska UNESCO: Ibiza ⇄ Santiago

• 🔥 Un disparador creativo: El Camino de Santiago en España, diario de viaje de Munehiro Ikeda

• 📲 Un recurso TravelTech: Scrollitelling “El Camino de Santiago en la Cartografía del IGN” / App “Caminos de Santiago” del CNIG / Exposición virtual “¡Buen Camino!” de Google Arts & Culture

🗺 Itinerario creativo: Arquitecturas del cuidado: cuando el Camino se hizo “sobrevivible”

Antes de convertirse en el recorrido hiper-turistizado que es hoy en día, el Camino de Santiago fue un desplazamiento espiritual con una gran incógnita: ¿cómo sobrevivir al viaje? Dónde dormir, dónde curarse, dónde cruzar un río.

Dónde morir si el cuerpo no aguantaba.

La respuesta a todas estas preguntas fue la arquitectura, la cual permitió hacer habitable el movimiento.

El arte románico es la cara arquitectónica más visible ligada al Camino. Iglesias sólidas, repetidas a lo largo de Europa, que no se entienden del todo si se observan como piezas aisladas. Funcionan mejor como nodos de una red, lugares de pausa y orientación para quienes caminaban durante semanas o meses. Sus espacios interiores —girolas, capillas, recorridos circulares— fueron pensados y reconfigurados para el tránsito humano, para permitir avanzar incluso dentro del templo. Arquitectura para cuerpos cansados.

Pero el Camino no se sostuvo (solo) con piedra sagrada. A su alrededor creció una constelación de edificios menos celebrados y más esenciales: hospitales de peregrinos, albergues, leproserías, puentes, fuentes… Estos son, con permiso de los templos religiosos, los que mejor explican el sentido profundo del Camino.

El hospital medieval no era solo un lugar para sanar, sino un espacio de acogida. Allí se dormía, se comía, se curaban heridas, se intentaba salvar. Se acompañaba la muerte. Su arquitectura era funcional, austera, pensada para resistir el uso continuo. No buscaban perdurar como monumentos, sino servir mientras hicieran falta.

Puentes como el de Puente la Reina o hospitales como el de San Marcos en León no son simples infraestructuras: son decisiones políticas y humanas. Indican que alguien pensó el territorio desde el otro. Podría decirse que el Camino fue, mucho antes de que existiera una idea política de Europa, uno de los primeros grandes proyectos continentales de arquitectura del cuidado.

Hoy día, ese nivel simbólico se ha perdido, pero la arquitectura, que sobrevive múltiples generaciones humanas, está ahí para recordarlo. Recordar que el Camino no es solo una sucesión de joyas artísticas, sino un sistema arquitectónico híbrido, donde conviven lo sagrado y lo práctico, lo monumental y lo invisible. Iglesias, sí, pero también edificios que no aparecen en las guías y que, sin embargo, sostuvieron el viaje. Arquitecturas del cuidado que nos recuerdan algo esencial: viajar siempre ha sido una forma de depender de los demás.

🎨 Un viaje creativo: Nubes de memoria

El 22 de julio de 2010, siete nubes blancas aparecieron en el cielo de Santiago de Compostela, procedentes de 7 puntos del país: Pamplona, Huesca, Oviedo, Vic, Vigo, Logroño y Vitoria.

Así es como culminó el proyecto Nubes de memoria del artista Eugenio Ampudia, concebido para la exposición Ars Itineris: el viaje en el arte contemporáneo, en el marco del Año Xacobeo 2010. Las nubes —estructuras de PVC llenas de helio— no fueron pensadas como esculturas inmóviles, sino como recipientes de tránsito, cuerpos frágiles que avanzaban por el territorio cargando relatos. El mecanismo fue el siguiente:

1. Cada nube incorporaba cuatro puertos USB y una minicámara de vídeo.

2. A lo largo del recorrido, peregrinos y caminantes introducían imágenes, pensamientos, fragmentos de su experiencia.

3. Al final de cada etapa, las propias nubes se anclaban y funcionaban como pantalla: proyectaban aquello que habían ido absorbiendo, devolviendo al lugar una memoria compartida.

Para Ampudia, “las nubes no son sólo formas. Llevan dentro la mirada del hombre”. En su ruta, Nubes de memoria propuso otra forma de peregrinar: no hacia una meta, sino hacia una acumulación frágil de recuerdos en movimiento.

🧪 Un experimento: Matrioska UNESCO: Ibiza ⇄ Santiago

Para quienes se acaban de incorporar a esta newsletter, los experimentos son la parte más dinámica del Laboratorio. En ellos realizo acciones y ensayos que muestran en primera persona una forma diferente de viajar o herramientas para trabajar la creatividad y entender el mundo.

En el experimento de este capítulo he rescatado una acción artística que hice hace en 2020 y que partió de una premisa: concebir el viaje como una herramienta de creación y como una obra de arte en sí mismo.

A aquella acción la llamé Matrioska UNESCO: Ibiza ⇄ Santiago, mediante la cual fusioné dos ciudades españolas a través de una intervención de arte locativo.

👉 El experimento:

El experimento consistió en transformar Ibiza y Santiago de Compostela (catalogadas como lugares Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO) en dos ciudades matrioska. Al igual que sucede con la muñeca tradicional rusa, hice que ambas ciudades se alojasen una dentro de la otra a través de pegatinas con códigos QR.

El experimento se llevó a cabo de la siguiente forma:

• Elegí varios monumentos y lugares de interés turístico de cada ciudad (incluyendo sus catedrales).

• Imprimí los mapas de ambas ciudades usando la misma escala (imprimí en dos hojas distintas).

• Elegí como punto común sus catedrales.

• Tomando como referencia las catedrales, seleccioné los monumentos y lugares elegidos en ambos mapas. Superpuse un mapa sobre el otro y perforé en esos puntos.

• Las perforaciones dejaron marcas en el mapa inferior, señalando la situación virtual en la que se encontrarían los monumentos de una ciudad sobre los de la otra.

• Recorrí ambas ciudades (yo vivía en Santiago y ese verano, cuando ya se pudo viajar tras la Covid, viajé a Ibiza) buscando los diferentes puntos y adherí las pegatinas con códigos QR que enlazan a una página donde se puede realizar una vista virtual al monumento que se encontraría en esa localización (en total fueron 10 monumentos, es decir, creé 10 paginas). En esa página hay un mapa interactivo con el resto de puntos y en cada localización (dentro del mapa) añadí imágenes en miniatura de los lugares donde están pegadas las pegatinas.

👉 Resultados del experimento:

Estas fueron las conclusiones del experimento

• El objetivo de esta intervención era hacer del viaje algo más que un mero acto turístico: convertirlo en pincel y obra de arte. El fin último era propiciar un diálogo creativo entre las dos ciudades Patrimonio de la Humanidad, generar una nueva dimensión en el recorrido urbano de ambas, el cual “premiaría” a los paseantes más observadores.

• Como todo arte urbano, el experimento era vulnerable a la meteorología, los paseantes y los propios servicios de limpieza de la ciudad. Esto hizo que su permanencia temporal fuera bastante limitada (4 días después, una persona me informó a través de Twitter que una de las pegatinas ya había sido quitada).

• Al perforar los mapas, salieron ubicaciones que, en el caso de Santiago, me llevaron a lugares que nunca antes había pisado.

• El experimento generó un curioso vínculo íntimo con la ciudad: aún hoy, cuando camino por Santiago y paso por alguno de los puntos donde pegué pegatinas, miro donde las adherí, imaginando que aún siguen.

En este enlace a mi blog explico con detalle todo el proceso y facilito el acceso a todas las páginas de monumentos que creé.

🔥 Un disparador creativo: El Camino de Santiago en España, diario de viaje de Munehiro Ikeda

Entre 1983 y 1986, el escultor japonés Munehiro Ikeda recorrió el Camino de Santiago en España con un propósito claro: estudiar el arte románico a lo largo de la ruta. Caminaba de iglesia en iglesia, observando capiteles, portadas, volúmenes y ritmos constructivos. Pero el viaje fue desbordando el objetivo inicial. El Camino empezó a colarse entre los márgenes del estudio.

De ese recorrido nació El Camino de Santiago en España2, un diario de viaje ilustrado realizado en papel japonés, donde Ikeda fue anotando etapas, paisajes, arquitecturas y transiciones. El románico aparece, sí, pero no aislado: convive con caminos de tierra, pueblos, cambios de luz, cansancio y tiempo atmosférico. El cuaderno no separa lo artístico de lo vivido.

Al final, lo que Ikeda mostró no fue un catálogo de iglesias, sino la experiencia completa del desplazamiento: cómo el estudio se transforma cuando se camina, y cómo el viaje acaba siendo también una forma de conocimiento lento. El original de Ikeda se expone en el Museo de las Peregrinaciones de Santiago.

📲 Un recurso TravelTech: ¡Buen Camino! de Google Arts & Culture

El proyecto ¡Buen Camino!3 de Google Arts & Culture traslada la peregrinación al entorno digital sin reducirla a un simple mapa interactivo. A través de exposiciones virtuales, imágenes en alta resolución, relatos históricos y recorridos geolocalizados, la plataforma permite explorar el Camino como una red cultural viva, accesible desde cualquier lugar del mundo.

Lo interesante no es tanto la tecnología en sí como el tipo de atención que invita a practicar. Puedes saltar de una portada románica a un paisaje, de un tramo concreto a una historia mínima, una traducción digital de lo que, a mi jucio, es realmente el Camino: no una línea de pasos, sino una red de tiempos y miradas superpuestas.

Y hasta aquí esta edición del Laboratorio de viajes creativos.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, a ver si les apetece apuntarse al Laboratorio.

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Un abrazo y hasta el número #18 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de enero.

Recuerda que, como suscriptor gratis, también recibirás una preview del cuarto taller de los Talleres Creativos, que se enviará a las 10:30 AM (hora de España) del viernes 16 de enero.

Dani Keral

Qué vas a encontrar en este taller online de antotipia

Estos son los contenidos de este curso de antotipia:

➭ Materiales necesarios para hacer una antotipia
➭ Resumen de los pasos
➭ Guía detallada paso a paso
➭ Consejos de exposición, tonos y creatividad

👉 En este taller vas a aprender:

• Qué es una antotipia (y en qué se diferencia de la cianotipia)

• Qué materiales necesitas

• Cómo hacer una antotipia paso a paso, entre ellas:

  • Cómo preparar el tinte vegetal (cantidades y método)

  • Cómo montar y exponer tu impresión solar

• Consejos prácticos para conseguir imágenes más nítidas o más experimentales

Qué es una antotipia

Este taller es una continuación necesaria el primer taller que hice, el taller de cianotipia online. Ambos procesos juegan con la luz, pero se diferencian en aspectos bastante importantes.

La antotipia es una de las técnicas fotográficas más humildes y, a la vez, más poéticas que existen: una imagen creada solo con pigmentos vegetales y la luz del sol. No hay químicos complejos, ni reacciones violentas, ni tonos saturados que aparezcan de repente. Aquí todo sucede despacio, como si la imagen emergiera por ósmosis desde la propia materia viva.

La base del proceso es sencilla: teñimos un papel con un pigmento natural —en este taller, la cúrcuma, rica en curcumina, un fotosensibilizador natural— y colocamos sobre él objetos que funcionen como negativos. La luz actúa sobre el tinte, lo degrada y lo aclara, mientras las zonas protegidas por el objeto mantienen su color. Así nace la imagen: una sombra anaranjada luminosa, frágil.

En qué se diferencia la antotipia de la cianotipia

Aunque ambas técnicas usen la luz solar, no podrían ser más distintas.

La cianotipia es un proceso químico inventado en el siglo XIX: mezcla de compuestos férricos, reacción fotoquímica, revelado en agua, fijación del azul de Prusia. Es una técnica más estable, más contrastada y más cercana a la fotografía tradicional.

La antotipia, en cambio, es casi botánica:

• utiliza pigmentos vegetales (flores, hojas, raíces…)

• no requiere lavado ni químicos duros

• el revelado es extremadamente lento

• los resultados son más suaves, a veces tenues, siempre orgánicos y en tonos anaranjados-marrones

• su vida es limitada: se sigue aclarando con el tiempo, como una fotografía que no quiere quedarse quieta

Mientras la cianotipia deja imágenes profundas y permanentes, la antotipia ofrece una estética efímera, más cercana a la idea de un recuerdo que a la de una copia fotográfica.

Instrucciones para hacer una antotipia: resumen rápido

1. Preparar todos los materiales.

2. Mezclar cúrcuma + alcohol para crear el tinte.

3. Colar y reservar el pigmento.

4. Teñir el papel y dejarlo secar.

5. Colocar los objetos (negativos) sobre el papel teñido.

6. Prensarlo con el sandwich de isolado.

7. Exponer al sol hasta que el color del fondo se aclare.

8. Retirar los objetos.

9. Pulverizar con la solución de bórax para fijar.

10. Dejar secar.

Materiales necesarios para hacer una antotipia

Estos son los materiales para hacer una antotipia.

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Este capítulo va a tratar sobre Rosalía.

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Sí, este Laboratorio está centrado en la cantante Rosalía. No pude resistir la tentación de jugar con el fenómeno cultural de este último mes (y de los últimos tiempos).

Antes de nada, aclarar que tenía pensado otro tema (que, además, encajaba bien con un proceso vital que está sucediendo ahora mismo). Pero el huracán Rosalía (y si disco, que me parece que tiene cosas muy interesantes) me hizo darle una vuelta y preguntarme:

Al principio lo asumí como un reto, pero conforme pensaba conexiones de la artista con las secciones del Laboratorio, me di cuenta de que la cosa fluía bastante bien.

Juzgadlo vosotr@s mism@s.

En este capítulo voy a explorar a Rosalía (y su último disco, Lux) a través de:

• 🎨 Un viaje creativo: Viaje por las lenguas de Rosalía en el álbum LUX

• 🗺 Un proyecto creativo: Museu de la Mediterrània

• 🧪 Un experimento: Taüll, cuando el románico se hizo pop

• 🔥 Un disparador creativo: Rosalía. Ensayos sobre un fenómeno musical global

• 📲 Un recurso TravelTech: Amikumu, una red social de idiomas

🎨 Un viaje creativo: Viaje por las lenguas de Rosalía en el álbum LUX

En LUX, Rosalía abre el mapa de su voz y lo convierte en una travesía poliédrica: catorce lenguas para contar un mismo temblor. Cantando en español, catalán, inglés, latín, siciliano, portugués, francés, ucraniano, árabe, mandarín, alemán, hebreo, japonés y caló, la artista construye un atlas sonoro donde cada idioma es un territorio emocional.

El disco no busca la exhibición de una políglota: busca un lugar desde donde las palabras pierden frontera. En LUX no se trata de hablar muchas lenguas, sino de habitar sus resonancias. La voz cambia de color, se descalza o se reviste según el paisaje acústico que pisa. En el árabe resuena el eco andalusí del flamenco; en el japonés, la devoción ritual; en el francés, la delicadeza del detalle; en el catalán, la raíz primera.

Este eco de lenguas recuerda a Babel (2001), la instalación de Cildo Meireles formada por una torre de radios encendidas, cada una sintonizada en un idioma distinto. Allí, las voces se superponen como capas de un mismo mundo. Si LUX construye una arquitectura emocional con catorce lenguas, Babel levanta su equivalente físico: un espacio donde la diversidad lingüística se escucha como un paisaje envolvente.

El recorrido que propone Rosalía en su álbum es una suerte de orografía emocional: un disco que se escucha como un itinerario de acentos, un cuaderno de ruta que se escribe con sílabas prestadas. En un tiempo de algoritmos que simplifican, Rosalía elige la complejidad como punto de partida. Y ahí, entre idiomas, hallamos lo verdaderamente viajero: la voz que cruza fronteras sin pasaporte.

🗺 Proyecto creativo: Museu de la Mediterrània

Rosalía nació en un territorio que mira al Mediterráneo. Esa relación con el mar —con su mezcla constante, sus rutas antiguas y sus lenguas que se cruzan— atraviesa de forma sutil su música. En LUX, ese gesto se hace más evidente: catorce idiomas que dialogan entre sí como si pertenecieran a una misma costa amplia y abierta.

El Museu de la Mediterrània1, en Torroella de Montgrí, ordena ese espíritu en un espacio físico. No recoge el Mediterráneo como postal, sino como mosaico de voces: cantos tradicionales, relatos orales, paisajes sonoros y testimonios de culturas que han compartido el mismo mar durante siglos. Las salas del museo muestran cómo cada orilla ha influido en la siguiente, cómo la música viaja sin pedir permiso y cómo una lengua puede llevar dentro la memoria de otra.

Ese enfoque encaja de manera natural con el universo de Rosalía. Su obra no es una suma de estilos: es una forma de entender la identidad como cruce, como tránsito. En el museo, uno escucha una melodía griega o un canto amazigh y reconoce ese mismo movimiento que aparece en LUX: la idea de que una canción puede contener muchas geografías a la vez.

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🧪 Un experimento: Taüll, cuando el románico se hizo pop

En el tema Porcelana de su último album, Rosalía canta “Ego sum lux mundi”, la frase en latín que significa Yo soy la luz del mundo. Es el mismo lema que aparece en una de las obras más emblemáticas del arte románico catalán: el Pantocrátor de Sant Climent de Taüll.

Ese puente —entre un fresco del siglo XII y un disco publicado en 2025— es una de las claves estéticas de LUX: la luz como lenguaje, como herencia, como territorio. Y es el motivo por el que este experimento tiene sentido dentro del laboratorio.

👉 El experimento

Hay lugares donde la luz parece tener memoria. El ábside de Sant Climent de Taüll —lugar Patrimonio de la Humanidad en el corazón del Pirineo— es uno de ellos. Durante siglos, sus frescos respiraron a media voz, deslavados por el tiempo. Hasta que una tecnología de vídeo-mapping del MNAC hizo lo impensable: devolver a la pared los azules y los ocres originales, los mismos que un día iluminaron ese “lux mundi”.

El MNAC creó una proyección 3D2 que reconstruye los pigmentos perdidos del ábside. No es un espectáculo ni una restauración tradicional: es un gesto de arqueología lumínica. La proyección encaja con precisión en la curvatura de la piedra y revive el color original a partir de análisis pigmentarios, luz dirigida y fotogrametría.
La idea es simple y poderosa: mostrar sin tocar. Permitir que el visitante vea cómo era aquello sin intervenir físicamente en la obra. Un viaje temporal sostenido únicamente por luz.

👉 Resultados del experimento

Cuando se apagan las luces y el mapping comienza, el muro se enciende como si despertara. Los colores vuelven a latir, los contornos respiran, y la mirada del Pantocrátor recupera una fuerza casi eléctrica. No es solo una recuperación visual: es una restitución simbólica. En este audiovisual se puede ver el mapping.

Ese gesto dialoga directamente con Rosalía. En Porcelana, ella hace lo mismo que el MNAC: toma una frase antigua, casi litúrgica, y la tiñe de presente. Ilumina un legado sin maquillarlo, sin suavizarlo.

El resultado es una resonancia compartida: un templo que recupera su luz y una artista que usa esa misma luz para expandir su lenguaje. Dos tiempos distintos sosteniéndose en la misma claridad.

🔥 Un disparador creativo: Rosalía. Ensayos sobre un fenómeno musical global

Coordinado por Jorge Carrión (Errata Naturae, 2021), este volumen reúne voces de periodistas, críticos, filósofos y músicos que diseccionan el fenómeno Rosalía desde la periferia del pop. Hablan de feminismo, clase, globalización, identidad, raíces y riesgo artístico.

Funciona como disparador porque abre preguntas, no respuestas. Su lectura activa la imaginación crítica: ¿cómo se traduce lo local en lenguaje universal?, ¿qué ocurre cuando una artista convierte el folclore en vanguardia? Es un libro que invita a pensar el viaje como pensamiento y como práctica estética.

📲 Un recurso TravelTech: Amikumu, una red social de idiomas

Vuelvo a las catorce lenguas de LUX para acabar el Laboratorio. Siguiendo esa estela, el recurso TravelTech de este Laboratorio es Amikumu3, una aplicación creada por políglotas cuya misión es sencilla y radical: ofrecer una plataforma para que hablantes de cualquier idioma puedan conectarse y compartir información en su entorno local, independientemente del estatus político o social de esa lengua.

La app permite indicar qué idiomas hablas o aprendes, ver quién los habla cerca, chatear y, si se da el caso, quedar en persona. No enseña gramática ni promete fluidez exprés: propone algo más básico y más raro hoy en día, encontrarse con otro cuerpo que habla una lengua distinta.

Usada en clave viajera, Amikumu sirve para trazar pequeños desvíos: en una ciudad nueva, buscar a alguien que hable tu idioma; en tu propio barrio, descubrir que la lengua que creías lejana también vive en tu esquina. Es otro tipo de geografía, hecha de personas antes que de fronteras.

En el fondo, propone algo parecido a lo que hace Rosalía en LUX: viajar por las lenguas para entender lo que nos une.

Y hasta aquí esta edición del Laboratorio de viajes creativos.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, a ver si les apetece apuntarse al Laboratorio.

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Un abrazo y hasta el número #17 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de noviembre.

Recuerda que, como suscriptor gratis, también recibirás una preview del tercer taller de los Talleres Creativos, que se enviará a las 10:30 AM (hora de España) del viernes 19 de diciembre.

Dani Keral

Estructura del taller de mapiroflexia

1. Introducción y concepto

• Qué es la mapiroflexia.

• Cómo une el diario de viaje, el mapa simbólico y el libro artesanal.

• Ejemplos de mapiros (de viaje, emocionales, de proceso creativo…).

• El sentido del pliegue como metáfora y herramienta visual.

2. Materiales necesarios

• Tipo de papel

• Herramientas básicas: regla, lápiz, pegamento, tijeras, pinceles, base de corte milimetrada…

• Elementos de collage, recortes, textos, símbolos, colores.

• Mapa o dibujo base (opcional, puede ser real o inventado).

3. Elaboración de un mapiro de viaje con pliegue en flor y mapas simbólicos

• El pliegue flor (estructura de este mapiro)

  • Introducción al concepto del pliegue flor: cómo los pétalos simbolizan etapas.

  • Cómo hacer el pliegue en flor, paso a paso.

• Elaboración de mapas simbólicos de viaje

  • Incorporación de elementos narrativos: rutas, notas, recuerdos, dibujos.

  • Consejos para integrar texto, imagen y símbolos en cada pétalo o segmento.

  • Vídeo-tutorial “Mapiro de viaje con pliegue en flor”

1. Introducción y concepto: ¿qué es la mapiroflexia?

La mapiroflexia es una técnica creativa (de mi invención) que combina el arte del libro artesanal, el mapa simbólico y el diario (de viaje o no).

Consiste en plegar la memoria, transformando experiencias, emociones o etapas vitales en cartografías personales.

La mapiroflexia nace de cuatro de mis pasiones: los viajes, los mapas, los libros y el deseo (y necesidad) de registrar las vivencias y recuerdos.

Cómo une el diario de viaje, el mapa simbólico y el libro artesanal.

El resultado de este proceso es un mapiro: un mapa-libro-diario artesanal donde se registran recuerdos, trayectos, proyectos o vivencias de forma visual y simbólica.

“Doblar un mapiro es una forma de plegar la memoria para que quepa en un bolsillo.

Cada trazo, palabra o color funciona como una coordenada emocional, y cada pliegue —como el pliegue en flor, que usaremos en este taller— representa un ciclo o una etapa del viaje o de otro proceso vital… porque no solo está limitado a los viajes, como explico a continuación.

Ejemplos de mapiros (de viaje, emocionales, de proceso creativo…)

Aunque este taller se centra en el mapiro de viaje, la técnica puede aplicarse a muchos otros procesos personales o creativos, con diversas variantes:

• Mapiro del crecimiento: etapas de la infancia, de un proyecto….

• Mapiro emocional: cambios de estado o ciclos vitales.

• Mapiro del tiempo cotidiano: registro de días o estaciones.

• Mapiro de los vínculos: personas o lugares significativos.

• …

Los mapiros se componen de tres elementos: el mapa, el registro que se hace sobre ese mapa y el tipo de libro artesanal y pliegue utilizado. Variando estos tres elementos surgen múltiples formas de mapiroflexia.

👉 En el mapiro de este taller, por ejemplo, voy a centrarme en el pliegue en flor y la creación de mapas simbólicos de un viaje reciente.

El sentido del pliegue como metáfora y herramienta visual.

Los pliegues son la esencia de los cuadernos y libros artesanales. Quienes conozcan un poco este mundillo, sabrán que existen múltiples formas de crear estos libros artesanales. Se suelen clasificar por la forma de crearlos y ensamblar sus diferentes partes: mediante pliegues, pegado, cosido…

En los Talleres Creativos tengo pensado también dedicar una parte a la creación de libros artesanales, por lo que no voy a extenderme mucho en esto. Me quiero centrar en el caso concreto de la mapiroflexia que es, por así decirlo, una personalización y conceptualización propia.

En la mapiroflexia, los pliegues son más que simples formas de crear el libro a nivel estructural: sirven para dar un sentido metafórico y visual a cada mapiro. Una especie de gramática de papel. Hay pliegues flor, donde los pétalos se abren como etapas (vitales, de viaje…); pliegues en acordeón, que permiten leer el mapa como un río o una travesía, pliegues ocultos, donde se guardan fragmentos de lo que no se quiere mostrar a simple vista…

Resultado final

Al terminar, habrás creado un mapiro en pliegue flor, una pieza única que puedes desplegar, colgar o conservar como bitácora visual de un viaje o etapa.
Más que un cuaderno, será una cartografía emocional hecha a mano, un modo de mirar el viaje desde dentro.

La mapiroflexia no busca reproducir un mapa, sino inventar uno propio.
Cada doblez guarda una historia, cada historia un paisaje.
Y en cada pliegue se revela un gesto: el de crear, recordar y habitar la memoria.

2. Materiales para la mapiroflexia

Tipo de papel

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Este capítulo va a tratar sobre mapas.

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Te voy a mostrar el logo del Laboratorio:

En la página explicativa de esta newsletter, dije que tiene algo de retícula, algo de molécula, algo de Mondrian. Algo de mapa.

O, mejor dicho, MUCHO de mapa

Y es que este (maravilloso) objeto es, quizá, el mejor ejemplo de artefacto para representar al Laboratorio:

“los mapas son, al mismo tiempo, obras de arte e instrumentos científicos. Tienen algo de pintura, algo de fotografía y mucho de geometría. Sirven para orientarse y a menudo para perderse”.

“El mapa es el medio idóneo para mostrar lo que no se ve, lo que resulta difícil de apreciar, esos hechos a menudo ocultos, dispersos, inaparentes a simple vista”.

Ambas frases aparecen en uno de mis libros favoritos: el catálogo de la espectacular exposición Cartografías de lo desconocido. Mapas en la BNE que organizó la Biblioteca Nacional de España en 2018. Esas dos frases encierran mucho de lo que pretendo con el Laboratorio.

De ese libro también aprendí que “la palabra latina mappa significa servilleta, pañuelo, un trozo de tela como los que se agitaban en el circo romano y que con el tiempo acabó por referirse al soporte en el que se dibuja la superficie terrestre, el mappa mundi”.

Ya desde nuestra infancia los mapas forman parte de nuestro imaginario (que levante la mano quien dibujó alguna vez un mapa del tesoro) y me atrevería a afirmar que casi todo ser humano se siente atraído ante la visión de un mapa.

Porque los mapas son mucho más que meras representaciones de un lugar. Como dice el historiador del arte Kevin R. Wittmann en su libro La huella de los mapas: cartografías de lo humano1, “los mapas narran historias. Nos cuentan sucesos del pasado, del presente e incluso del futuro. (…) son definiciones de nuestra visión del mundo. Nuestro mundo”.

En este capítulo voy a explorar los mapas a través de:

• 🎨 Un viaje creativo: Mapparium de Boston (con la participación de MapasMilhaud)

• 🗺 Una historia singular: Los mapas-trenza de Palenque

  • 🖖 La mapiroflexia y los mapiros: 2º Taller Creativo

• 🧪 Un experimento: Mapa psicogeográfico: la Compostela de El Barroquista

• 🔥 Un disparador creativo: Dos libros: Map Art Lab / Hand-Drawn Maps: A Guide

  for Creatives: A Creator’s Guide

• 📲 Un recurso TravelTech: TimeMap: un narrador cartográfico-interactivo de la historia

🎨 Un viaje creativo: Mapparium, de Boston al centro de la Tierra (cortesía de Mapas Milhaud)

Para esta newsletter he querido contar con la ayuda de un perito en mapas: Miguel, de . Un teleco MUY segoviano enloquecido (en plan bien) por los mapas desde 2008. Si te interesan los mapas y no lo conocías, ya estás tardando en apuntarte a su newsletter. Esto es lo que ha preparado para el Laboratorio de hoy:

Existen múltiples formas de representar el mundo, prácticamente las mismas que personas con intención de contar una historia sobre él. Es por eso por lo que no debe sorprender que, Chester Lindsay Churchill, cuando estaba construyendo el edificio de la Christian Science Publishing Society, en Boston, optase por una forma particular que supiera trasladar su visión cristiana.

Más allá de la superficial representación de la Tierra de los mapas, nunca mejor dicho, Churchill optó por una estructura de grandes dimensiones para representar el mundo en el que vivimos. Inspirado por el globo terráqueo de tres metros que se encontraba en la entrada del New York Daily News, entre 1932 y 1935, construyó una estructura de tres plantas y nueve metros de altura que representaba la Tierra. Siguiendo la influencia de las grandes obras arquitectónicas cristianas, utilizó 608 vidrieras plomadas, para que la luz inundase el interior.

¿Y por qué quería que la luz llegara al interior? Porque dentro de ese inmenso globo terráqueo creó una pasarela para que, por primera vez, los visitantes pudieran adentrarse hasta el centro de la Tierra, como si de un viaje de Julio Verne se tratase. Allí, cualquier persona podría observar las fronteras políticas de un mundo cambiante, entrando por algún lugar del océano Pacífico y saliendo por el punto opuesto, en el océano Índico.

A la obra original se le incorporaron con los años más de 300 bombillas exteriores, con las que el Mapparium pudiera dar luz en cualquier momento del día. Además, el diseño original de Churchill permitía que las vidrieras fueran sustituidas con los cambios de fronteras, aunque a finales de los 60 se tomó la determinación de preservarlo como una obra de arte estable.

En la actualidad, se puede visitar como parte de la exposición How Do You See the World? en el complejo Christian Science Plaza de Boston.

🗺 Historia singular: Los mapas-trenza de Palenque.

Si la historia anterior la ha escrito un sabio de los mapas como Miguel, es justo decir que esta Historia singular ha sido inspirada por otro sabio, el ya mencionado Kevin R. Wittmann, y su libro “La huella de los mapas”.

En Palenque, Colombia, los mapas no se dibujan: se trenzan.
Cada mechón de cabello es una línea de fuga, una ruta de escape, una geografía secreta donde las mujeres escondían la libertad. En tiempos de esclavitud, los peinados se convirtieron en un código: caminos, ríos, sendas y refugios trenzados sobre la cabeza. Las esclavas cartografiaban con sus manos el territorio del regreso, y sobre los cueros cabelludos se extendía un mapa vivo de resistencia.

Estos mapas-trenza —documentados por antropólogas y cronistas de San Basilio de Palenque, el primer pueblo libre de América Latina— funcionaban como planos topográficos. En ellos, cada forma tenía un significado: una trenza curvada hacia atrás podía representar un sendero por el monte; una espiral, el curso de un río; un relieve de moños altos, las colinas o refugios donde esconderse. A veces se añadían semillas, cuentas o pepitas que señalaban lugares concretos para aprovisionarse o sembrar al llegar a destino.

Fueron las mujeres quienes idearon estos mapas porque, dentro del sistema colonial, eran las únicas con cierta libertad de movimiento. Se desplazaban entre fincas, vendían productos, cuidaban niños o intercambiaban alimentos; observaban el paisaje, conocían los atajos y los puestos de vigilancia. Mientras los hombres permanecían vigilados en los campos, ellas memorizaban rutas y luego las tejían sobre la cabeza de sus compañeras o de los hijos. Así, el conocimiento del territorio viajaba oculto bajo los turbantes, transformando un gesto cotidiano —peinar— en un acto de arte, ingeniería y de insurrección

Cada diseño recibía un nombre: malla, espina de pescado, zig-zag. En la trama del cabello convivían el arte y la estrategia, la estética y la supervivencia. Hoy, cuando una palenquera trenza a otra, no sólo repite una tradición: reactiva una memoria cartográfica que desafió la esclavitud y sobrevivió al olvido.

Porque los mapas no siempre se guardan en los archivos ni se imprimen en papel. Algunos —como estos— laten sobre la piel, se enredan en las raíces y viajan de cabeza en cabeza, de siglo en siglo2.

🖖 La mapiroflexia y los mapiros: 2º Taller Creativo

Como ya habréis leído, el 17 de octubre comencé con la parte premium del Laboratorio: los Talleres Creativos. El primero fue el taller de cianotipia básica y el segundo está totalmente ligado a los mapas: el taller de mapiroflexia.

1. ¿Qué es la mapiroflexia?

   👉 Un concepto que he creado y que combina diario de viaje, libro de viaje artesanal, origami y el diseño de mapas.. Es una técnica creativa y artesanal para convertir experiencias —viajes, emociones, etapas vitales— en cartografías personales.

2. ¿Cómo y cuándo será el taller?

   👉 Se enviará el viernes 14 de noviembre. Para leerlo completo es necesario ser suscriptor de pago del Laboratorio, pero los suscriptores gratis recibiréis una preview. Aquí está toda la información sobre la membresía.

3. ¿Qué va a haber en el taller de mapiroflexia?

   👉 El taller se centrará en la creación de un tipo de mapiro: una pieza única, mezcla de cuaderno artesanal, mapa y obra visual, que guarda un recorrido personal (tanto real -de viaje-, como simbólico -de experiencia vital-).

🧪 Un experimento: Mapa psicogegráfico - la Compostela de El Barroquista

El periodismo me ha llevado a conocer gente excepcional, y en el experimento de hoy participaron dos de ellas: Miguel Ángel Cajigal, alias "El Barroquista”, y su pareja, Adriana. Ambos son historiadores del arte y, en el caso de El Barroquista, para quienes no le conozcáis, es famoso por realizar divulgación cultural en la difunta red social Twitter (ahora X) y en La 2 de Televisión Española, en el programa El Condensador de Fluzo.

Miguel y Adriana participaron hace 4 años, junto a mi pareja Eva, en un artículo experimental que escribí para Condé Nast Traveler3: un recorrido psicogeográfico de Santiago de Compostela, la ciudad donde viven ambos.

De ese experimento nació este mapa

👉 El experimento:

El experimento consistió en psicogeografiar –psyché: hálito, alma; geo: tierra; grafía: escritura– Santiago de Compostela.

Las reglas que marcaron la ruta psicogeográfica siguieron una misma clave: crear una nueva cartografía de la ciudad basada en el Santiago emocional de Miguel y Adriana, definida por una nebulosa de ideas surgidas al azar –enviadas vía whatsapp durante la ruta– que se fueron entrelazando con el ritmo de nuestras pisadas a través de seis estaciones, elegidas previamente por Miguel y Adriana. Eva –mi pareja, ingeniera y blogger de viaje– ejerció de InstagramStoryógrafa de microdetalles en la expedición.

👉 Resultados del experimento:

En el mapa surgido del itinerario se puede ver el resultado: un Santiago hiper-personalizado, un Santiago distinto, conectado a las emociones y al conocimiento de los paseantes.

Esa es la magia de crear mapas personales de un lugar: que ese sitio cobra un sentido distinto, las marcas cartográficas pasan a ser hitos vitales. Un mapa psicogeográfico pone en el plano visible lo que subyace, lo que late en el fondo de cada uno cuando recorre un lugar que le genera emociones (tanto buenas como malas, ojo: como dije en el Laboratorio 4, para mí, Vigo ahora no generaría tan buenas vibraciones como mi querida Compostela).

🔥 Un disparador creativo: Dos libros: Map Art Lab / Hand-Drawn Maps: A Guide for Creatives

Voy a hablarte de dos disparadores creativos que uso para mis mapiroflexias: los libros Map Art Lab y Hand-Drawn Maps: A Guide for Creatives Estos dos libros no te enseñan dónde están los países, sino cómo sentir y reinventar los lugares a través del dibujo. Son una invitación directa a que dejes el GPS, cojas un lápiz o un pincel, y transformes la geografía en una expresión personal y creativa.

Map Art Lab: 52 Exciting Art Explorations in Mapmaking, Imagination, and Travel

Imagina que un laboratorio de arte se fusiona con un estudio de cartografía. Eso es Map Art Lab. Este libro es una caja de herramientas llena de proyectos prácticos y experimentos para artistas y curiosos. Te anima a ver los mapas de formas totalmente nuevas: desde usarlos como lienzo para collages y técnicas mixtas, hasta convertirlos en esculturas o imprimirlos en tela. Es ideal si buscas inspiración para fusionar la geografía con el arte contemporáneo, usando técnicas que van desde la acuarela hasta el stenciling. Una fiesta creativa con mapas.

Hand-Drawn Maps: A Guide for Creatives

Ahora, imagina que un cartógrafo se sienta con un ilustrador para enseñarle todos sus trucos; el resultado es este libro.

Se trata de una guía esencial para convertir el dibujo de mapas en una forma de arte personal. El libro te proporciona los fundamentos de la técnica, pero su verdadera magia reside en la diversidad de cosas que puedes mapear.

Aprenderás a darle a tus diseños la estética de un plano arquitectónico, la diagramación de un videojuego o la claridad de un mapa de ruta. Lo más creativo es que te anima a mapear lo invisible: usa la lógica cartográfica para visualizar conceptos abstractos, como la narrativa de un libro, las conexiones de un mapa mental o las ramas de un árbol familiar.

Traveltech: TimeMap: un narrador cartográfico-interactivo de la historia

TimeMap es una máquina del tiempo digital y cartográfica, un Atlas de la Historia Mundial Interactivo que convierte el estudio del pasado en una exploración dinámica y visual.

Su magia está en la línea de tiempo dinámica. En lugar de ver fotos fijas de una era, tú deslizas el tiempo y observas en el mapa cómo cambian las cosas. Puedes ver a los imperios nacer, crecer, guerrear y desaparecer siglo tras siglo. Muestra la evolución de las fronteras políticas, dónde se libraron las batallas clave y por dónde iban las rutas comerciales. Es historia viva.

Pero el verdadero superpoder de TimeMap no es (solo) su línea de tiempo, sino todo el arsenal de mapas que tiene detrás. Piensa en él como un cofre del tesoro digital con cientos de miles de joyas cartográficas en altísima resolución. Son mapas históricos reales, sacados de las colecciones más prestigiosas del mundo.

Con todo ese material, TimeMap te permite la función de superposición, que es como tener unas gafas de rayos X históricas. Puedes colocar un mapa de hace siglos justo encima de la imagen de satélite actual. Así, de un solo vistazo, ves exactamente dónde estaba un antiguo fuerte, cómo un río ha cambiado de curso o la rapidez con la que una ciudad se ha tragado el paisaje.

Aunque el nombre del proyecto es TimeMap.org, cuando lo buscas para el móvil, lo encuentras integrado en la aplicación OldMapsOnline - History & Maps4 (disponible para iOS y Android).

Y hasta aquí esta edición del Laboratorio de viajes creativos.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, a ver si les apetece apuntarse al Laboratorio.

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Un abrazo y hasta el número #16 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de noviembre.

Recuerda que, como suscriptor gratis, también recibirás una preview del segundo taller de los Talleres Creativos, la mapiroflexia, que se enviará a las 10:30 AM (hora de España) del viernes 14 de noviembre.

Dani Keral

Bienvenido al taller online Cómo hacer una Cianotipia casera, el primer taller creativo del Laboratorio.

👉 En este taller de cianotipia vas a aprender:

• Qué es una cianotipia

• Cuáles son los materiales necesarios para hacer una cianotipia

• Qué pasos hay que seguir para crear un cianotipo y consejos prácticos

Al final he incluido un vídeo tutorial breve y práctico donde muestro los pasos básicos de una cianotipia.

Qué es una cianotipia

La cianotipia es un proceso fotográfico artesanal que permite crear impresiones con un profundo color azul de Prusia. Es una técnica de contacto, lo que significa que el objeto que usas (como una hoja o un negativo de foto) se coloca directamente sobre un papel tratado para que la luz del sol lo revele. Es como capturar la sombra de un objeto de forma mágica, convirtiéndola en una imagen.

Un poco de historia

La cianotipia tiene sus orígenes en el siglo XIX, y no fue creada por un artista, sino por un científico. En 1842, el astrónomo y químico inglés John Herschel la inventó como una forma rápida y económica de duplicar notas y diagramas. De hecho, los famosos "planos" de arquitectura y maquinaria (los blueprints o "huellas azules") se hacían con este proceso.

Sin embargo, fue otra persona quien descubrió su potencial artístico. La botánica y fotógrafa Anna Atkins, amiga de Herschel, se convirtió en una de las primeras personas en usar el proceso para crear libros de fotografía. Atkins documentó su vasta colección de algas y helechos utilizando la cianotipia, dejando un legado que la ha establecido como una de las primeras fotógrafas de la historia y la pionera en usar este método con fines creativos.

En mi caso, la cianotipia la he usado para hacer un regalos de cumpleaños y para hacer un resumen visual y creativo de un viaje de 3 meses por Europa (como conté en el Laboratorio #14). Pero, sobre todo, para relajarme y trabajar la creatividad.

Qué vas a encontrar en este taller de cianotipia

Estos son los contenidos de este curso de cianotipia online

➭ Materiales necesarios para hacer una cianotipia

1. Papel de acuarela u otro resistente al agua.

2. Hojas secas prensadas (u otros objetos que queramos tener en el cianotipo)

3. Guantes y pinzas

4. Las sustancias A y B que se usarán para la mezcla.

5. Una jeringuilla pequeña y una brocha-pincel pequeña

6. Una baldeta ancha.

7. Sandwich de isolado (portafotos con cristal y una lámina de goma eva del mismo tamaño)

8. Agua oxigenada

➭ Resumen de los pasos para hacer una cianotipia

1. Preparar todos los materiales necesarios.

2. Realizar la mezcla de las dos sustancias que se utilizan para la cianotipia.

3. Impregnar el papel y dejar que seque.

4. Preparar las hojas (o láminas de acetato) sobre el papel

5. Montar el sandwich de isolado (ein? 🤔)

6. Exponer el papel bajo la luz solar según el nivel de radiación.

7. Desmontar el marco, retirar las hojas y lavar el papel

8. Dejar secar el papel

Cómo hacer una cianotipia

A continuación te voy a detallar todos los pasos, materiales y cantidades que se necesitan para hacer una cianotipia (incluido un video-tutorial de cianotipia).

Read more

En una semana comienzan los Talleres Creativos (talleres como la cianotipia, libros artesanales, escritura creativa, fotografía, mapiroflexia o biomateriales, entre otros).

Concretamente, el viernes 17 de octubre.

Y en esta publicación sorpresa quiero contarte (en vídeo y en texto):

• Por qué deberías apuntarte

• Que tienes un descuento de lanzamiento exclusivo (y por tiempo limitado) por leer el Laboratorio (lo cuento al final 😉)

  👇

➭ Por ocio y para crear pequeñas desconexiones analógicas y creativas

En un mundo cada vez más inmerso en la IA (y en nuestras obligaciones cotidianas), nos volvemos mentalmente más rígidos. En pocas palabras: es beneficioso para nuestra salud mental —estrés, ansiedad— como explican estos estudios12.

➭ Como recarga creativa

Es un hecho: trabajar la creatividad en esferas ajenas a la propia, la potencia y la refuerza. Las prácticas manuales, artísticas y artesanales mejoran las habilidades creativas, generan mejores ideas y promueven mayor innovación.

Y ojo: no todo tiene que ser hacer arte; también mirar arte o jugar con imágenes puede alimentar la imaginación.3456

➭ Por crear un recuerdo personal del viaje/ momento vital

Cuando estamos de viaje (o en el día a día) nos suceden muchas cosas. Algunas permanecen en la memoria, pero la gran mayoría se borran

Tenemos fotos en el móvil… que casi nunca vemos ni imprimimos. Y, mucho menos, las acompañamos de un texto. Es decir, los recuerdos se esfuman.

Muchas de las técnicas que voy a enseñar en los talleres van a ayudar a combatir ese olvido. Pero no solo eso: harán que el proceso sea divertido, especial y que, por el mero hecho de hacerlo, generemos un recuerdo mucho más duradero7.

👉 En esto, sobre todo, puede ayudarte lo que he llamado “mapiroflexia”, una práctica que combina los diarios de viaje, los cuadernos artesanales y el arte de los mapas.

➭ Para crear con niños

Aunque el laboratorio se envía a adultos, los talleres son perfectos para compartir con niños: ideas de experimentos, manualidades, juegos con papel, ilustraciones…

De hecho, ellos seguramente saquen formas mucho más creativas de aplicar lo aprendido en los talleres.

➭ Por tener formas de crear regalos diferentes

Y sí, amig@, estas técnicas también te van a servir para pensar en los demás… o para sacarte de un aprieto sobre qué regalar a X persona: ¿quizá una cianotipia enmarcada de una buganvilla para ese amigo amante de las plantas? ¿O un libro artesanal para poner fotos, poemas, recuerdos o recetas?

➭ Porque supone una forma apoyar el trabajo que realizo en el Laboratorio

Vale, esta razón no es un beneficio directo para ti, lo confieso.
Pero tenía que añadirlo también, porque la creación del Laboratorio (y los talleres) conlleva un buen trabajillo y muchas horas.

➭ Porque tienes descuento exclusivo por ser suscriptor del Laboratorio

Desde ahora y hasta las 12:59 PM del jueves 16 de octubre puedes aprovecharte de un 10% de descuento en el plan anual de los Talleres. (OJO, en redes estoy moviendo una oferta de lanzamiento inferior, de 5%). Puedes acceder a la oferta en este enlace.

10% descuento de lanzamiento

🎁 ¡Ah! También puedes recomendar y/o regalar los Talleres (junto con el Laboratorio) a alguien que creas que le puede gustar.

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Si alguna de las razones de esta lista ha hecho que te pique la curiosidad, recuerda que el primer taller se enviará a las 10:30 AM (hora de España) el viernes 17 de octubre.

👁️ Los suscriptores gratis también recibiréis el mail del Taller y podréis ver la primera parte del texto, la del resumen de contenidos. A partir de cierto punto, aparecerá un muro de pago y solo los suscriptores de pago podrán ver el contenido completo del Taller

Este capítulo va a tratar sobre la luz.

💡 💡 💡💡💡💡💡💡💡💡💡💡

Creo que una de las razones de mi ansia de experiencia planetaria (esto se lo tomo prestado a Cortázar de su Rayuela) es la luz: ver sus matices y cambios en diferentes paisajes y lugares.

Desde la crepuscular (casi apocalíptica, incluso marciana) luz del ártico hasta el desbordante fulgor de la Polinesia.

La luz (y su ausencia) es la que ostenta el control sobre nuestro sentido hegemónico, la vista. Sin ella, no habría mundo para nuestros ojos, no habría fotografías. No habría colores.

Qué menos que dedicarle un hueco en el Laboratorio.

En este capítulo voy a explorar la luz a través de:

• 🎨 Un viaje creativo: Proyecto “Breakthrough Starshot”

• 🗺 Un destino singular: Svalbard, la oscuridad boreal y el fin del mundo.

  • 🖖 ATENCIÓN (ya verás qué es esto)

• 🧪 Un experimento: Cianotipias viajeras

• 🔥 Un disparador creativo: “Shadowlogy” de Vicente Bal

• 📲 Un recurso TravelTech: “Light Pollution Map” y “Dark Sky Map”

🎨 Un viaje creativo: Proyecto “Breakthrough Starshot”

El viaje creativo de este Laboratorio es pura ciencia, aunque tiene ramalazos de obra de arte y de novela de Ted Chiang.

Imagina que quieres ir a Próxima Centauri, la estrella más cercana a la Tierra. Con nuestra tecnología actual, tardarías unos

años.

Es decir, se necesitarían entre 2.300 y 2.800 generaciones humanas.

❓una generación humana dura entre 25 y 30 años, el tiempo aproximado que tarda una persona en nacer, crecer, convertirse en adulto y tener descendencia.

Vamos, una barbaridad, imposible de hacer hoy día.

Sin embargo, en 2016 alguien puso una solución sobre la mesa: "No necesitamos cohetes, necesitamos LUZ" Eran los científicos del proyecto Breakthrough Starshot1, liderado por Stephen Hawking, Mark Zuckerberg y el multimillonario Yuri Milner.

Su plan se basaba en una idea teórica mucho más antigua, formulada en los años 60 por el físico Robert L. Forward: usar la luz como propulsión.

El plan es este: construyes una nave minúscula (llamada StarChip), del tamaño de un sello y le pegas a una vela del tamaño de una cancha de tenis, pero casi tan fina como el papel de aluminio (llamada nanovela)

Esa "vela" es la clave. Desde la Tierra, un ejército de láseres gigantes apuntaría a ella. La luz, al impactar, la propulsaría, como si el sol la empujara con un dedo gigantesco.

Ese empuje de luz aceleraría la nave hasta el 20% de la velocidad de la luz. A esa velocidad, el sello llegaría a Próxima Centauri en…

…20 años.

🤯

Una vez allí, la nave tomaría fotos, recogería datos y nos los enviaría de vuelta. Su objetivo no es otro que comprobar si hay planetas habitables en Próxima Centauri y enviar las primeras imágenes de un sistema estelar diferente al nuestro.

Bien, pero… ¿para cuándo la nave que viaja con luz? Pues aún no hay fecha fija. El proyecto está en fase de I+D y, si logran construir la vela y el láser, podría despegar dentro de unas décadas, quizá en la segunda mitad del siglo XXI (si no nos hemos aniquilado antes... 😥). La paciencia (y la supervivencia) es clave para la velocidad de la luz.

🗺 Destino singular: Svalbard, la oscuridad boreal y el fin del mundo

Es de noche, aunque tu reloj marca las 12 del mediodía. Ya van tres meses de oscuridad total en Svalbard. Caminas sobre la nieve, a la altura del paralelo 78. Estás saliendo de los límites de la ciudad, aunque sabes que no debes hacerlo.

No sin un arma.

Tras 10 minutos caminando decides montar el trípode y la cámara. Tus manos parecen muñones: los 30 grados bajo cero han convertido tus dedos en un miembro fantasma. De pronto, la nieve cruje a tus espaldas. Te giras de inmediato y alumbras con la linterna: dos ojos brillan a 30 metros de ti, en mitad de una enorme masa blanca.

El oso polar lanza un gruñido.
Tú te agarras a la cámara.
El oso comienza a correr hacia ti.
Tú no tienes arma. Tú no tienes arma…

Ese día, por fortuna, no morí… porque nunca existió. Pero sí el lugar que describo: Svalbard.

Svalbard es uno de esos lugares del planeta que te dejan fascinado por su luz. Y por su ausencia de luz.

(Y también por su historia de muertos criogenizados, sus récords, sus osos polares, su Bóveda del Fin del Mundo y porque es el único lugar en el mundo donde está prohibido morirse). Te cuento:

El archipiélago de Svalbard tiene el privilegio de ser el lugar poblado (civil) más al norte de la Tierra (se ubica entre los paralelos 77 y 81; Longyearbyen, su población principal, está en el paralelo 78).

Esta ubicación extrema hace que la luz marque la vida de sus 2700 habitantes: durante cuatro meses al año (de noviembre a enero), la oscuridad lo envuelve todo y, durante otros cuatro meses, el sol no deja de brillar.

Yo estuve en abril, en el impasse entre ambos estados y quedé fascinado por los efectos de la luz en el paisaje: durante el día, es una luz que se escapa a otras luces antes vistas. Una luz fría, ártica, azul penetrante, que hipnotiza y apenas calienta (que impacta, aún más al reflejarse en paisajes que parecen de otra era).

Y durante la noche… la magia: la Aurora Boreal. Svalbard es uno de los lugares privilegiados para poder disfrutar con más intensidad de las “luces del norte”. La luz, como digo, es lo que marca la vida de Svalbard, pero no es lo único singular de este sitio:

• Aquí se encuentra la «Bóveda del fin del mundo», un silo a prueba de terremotos, inundaciones y explosiones nucleares, donde se almacenan las semillas de prácticamente todas las especies de cultivos que sirven como alimento y que fue creado para salvaguardar la biodiversidad en caso de una catástrofe mundial.

• Los muertos se criogenizan y está “prohibido” morirse: A comienzos del siglo XX, unos científicos descubrieron que los cadáveres enterrados en Longyearbyen estaban en perfecto estado de conservación. La noticia se extendió y, con la idea de que un cuerpo congelado tras su muerte podría ser curado y resucitado en el futuro, comenzó a haber un boom de movimiento de población hacia la isla con la intención de ser enterrados en ella para ese futurístico plan. Visto esto, no quedó más remedio por parte de las autoridades que prohibir las inhumaciones en la isla. Y así sigue la cosa: la gente fallecida aquí es subida a un avión para ser enterrada en el continente o en su país de origen.

• Es, junto a Bahía de Hudson en Canadá, el lugar con mayor concentración de osos polares del mundo (viven más de 3.000 osos en todo el archipiélago, superando la población humana)..

🖖 ATENCIÓN: Empiezan los Talleres Creativos

A partir de octubre voy a comenzar la parte premium del Laboratorio: los Talleres Creativos.

1. ¿Qué son los talleres?

   👉 Espacios para aprender y practicar la creatividad tanto en viaje como en el día a día. Lo que enseño puede enfocarse para hacer un viaje creativo tanto en ruta como en tu propia casa.

2. ¿Cómo y cuándo se pueden recibir?

   👉 Para recibirlos es necesario ser suscriptor de pago del Laboratorio. Se enviarán un viernes a mediados de cada mes (a finales también se recibirá la versión habitual y gratuita del Laboratorio). Aquí está toda la información sobre la membresía.

3. ¿Qué va a haber en los Talleres?

   👉 Los talleres van a ser sobre técnicas artesanas fotográficas (como la cianotipia o la antotipia), de elaboración de libros artesanales, de creación de mapas personales (mapiroflexia lo llamo), de biomateriales, de técnica fotográfica, de escritura creativa… incluso de IA.

   Como adelanto, te digo que el primero va a ser cianotipia básica

🧪 Un experimento: Cianotipias viajeras

En el Laboratorio #12, mientras estaba en mitad de una ruta de tres meses de Islas Feroe a Grecia, ya adelanté que estaba tramando un experimento viajero: en cada uno de los lugares visitados estaba recolectando sus hojas y flores más características. Esto es lo que hice:

👉 El experimento:

El experimento lo he realizado a mi vuelta y consistía en hacer un resumen en forma de cianotipo de los lugares que visité.

En total, recolecté hojas de París, Islas Feroe, Normandía, Suiza y Grecia. Podría haber delimitado mucho más la muestra, dividiendo, por ejemplo, en las diferentes zonas que visité en Grecia (donde estuve mes y medio). Pero prefería hacer algo más global.

El objetivo era, como dije en el Laboratorio #12:

Ese ha sido el objetivo por el que he creado el Laboratorio y la cianotipia es una de las herramientas más espectaculares y sencillas de llevarlo a cabo.

👉 Resultados del experimento:

Estos son los resultados del experimento:

En cada una de esas cinco hojas hay plasmada una huella de la ruta, de cada punto geográfico (el lugar donde recogí briznas de la omnipresente hierba de Feroe; el olivo de Grecia del que me llevé un par de hojas; la flor que recogí en los Alpes suizos, junto a la cabaña del mismo amigo que tiene la preciosísima librería de la que hablé en el Laboratorio #12).

Una forma diferente de guardar los recuerdos de un viaje (y en mi día a día, ahora no paro de ver y buscar objetos para convertir en cianotipo).

🔥 Un disparador creativo: “Shadowlogy” de Vicente Bal

¿Y si la sombra no es el lado oscuro?

En el universo de Vicente Bal y su "Shadowlogy"2, las sombras no son algo que huye de la luz, sino su mejor amiga. El artista nos lanza un desafío: en vez de obsesionarnos con el brillo, ¿qué pasa si miramos lo que la luz deja de tocar?

Con su paleta minimalista, Bal usa la sombra para dar volumen y contar historias secretas. Es como un recordatorio de que la oscuridad tiene sus propios matices y que, a veces, para que algo sea visible, algo más tiene que estar a la sombra.

📲 Un recurso TravelTech: “Light Pollution Map” y “Dark Sky Map”

¿Alguna vez te has parado a pensar que el mejor recurso para un viaje no siempre es la luz, sino la ausencia de ella?

Para los amantes de la astronomía (o quienes simplemente buscan un momento de paz bajo un manto de estrellas), Light Pollution Map y Dark Sky Map son las herramientas perfectas.

Light Pollution Map funciona como un mapa del tesoro, pero a la inversa. Muestra un mapa global donde las zonas más brillantes, con contaminación lumínica, se marcan en rojo, y las más oscuras, con cielos prístinos, en tonos de azul. Te permite visualizar la oscuridad de cualquier lugar del planeta y es ideal para planificar rutas o viajes enfocados en la observación de estrellas. También incluye información sobre la calidad del cielo (la "escala Bortle"), así como alertas de eventos astronómicos como lluvias de estrellas.

Dark Sky Map complementa esta información con un enfoque más social y práctico. Aunque también ofrece mapas de contaminación lumínica, su principal función es la de una red comunitaria. En ella, los usuarios pueden encontrar y compartir ubicaciones específicas para la observación del cielo, con datos detallados y valoraciones.

Ambas herramientas transforman la búsqueda de la oscuridad en una aventura, ofreciendo una perspectiva única sobre cómo la luz, o la falta de ella, puede definir una experiencia de viaje.

Y hasta aquí esta edición del Laboratorio de viajes creativos.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, a ver si les apetece apuntarse al Laboratorio.

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Un abrazo y hasta el número #15 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de octubre.

Para quienes se apunten a los Talleres Creativos, el primer taller se enviará a las 10:30 AM (hora de España) el viernes 17 de octubre.

Dani Keral

Sé que en el anterior Laboratorio dije que nos veríamos ya a finales de septiembre, pero no he podido reprimir las ganas de contaros que vendrá con algunos cambios y una nueva sección, los Talleres creativos.

El Laboratorio seguirá con su esencia, pero tendrá actualizaciones basadas en las preguntas que os hice últimamente sobre lo que os gustaría leer.

Habrá:

• Más destinos singulares

• Más historias insólitas

• Más rutas fuera de ruta.

• Y, por supuesto, formas creativas de viajar usando la ciencia, el arte o la tecnología.

Seguiré mostrando experimentos y se sumará esa sección de Talleres creativos, donde podréis aprender algunas técnicas (para hacer en viaje o en casa) como: cianotipias y antotipias1, cuadernos y diarios artesanales de viaje, mapiroflexia2, fotografía de viaje, biomateriales, monográficos de escritura (de viajes, autobiográfica…), herramientas tecnológicas (IA…).…

Os espero el último viernes de septiembre. ¡Ah! Y si podéis invitar a más personas a unirse al Laboratorio, genial 😉

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Este capítulo es el último que envío durante mi viaje de 3 meses de Feroe a Grecia. Va a tratar sobre Grecia, donde he estado más de un mes por zonas no muy conocidas del norte del país.

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En este capítulo voy a explorar esta parte de mi ruta a través de:

• ⛔ Un viaje prohibido: Monte Athos

• 🗺 Un destino fuera de ruta: Un safari en Europa

• 🧪 Un experimento: La cianotipia más grande del mundo

• 🔥 Un disparador creativo: Radio Deftero Programma

• 📲 Un recurso TravelTech: FindPenguins

⛔ Un viaje prohibido: Monte Athos

Durante mi viaje rocé en barco un lugar polémico y prohibido: el Monte Athos, una península del mar Egeo formada por veinte monasterios ortodoxos griegos.

Concretamente, esta península:

El Monte Athos tiene una norma irrevocable: toda hembra del reino animal tiene prohibida su entrada desde hace siglos bajo pena de cárcel de entre dos meses y un año. Toda hembra salvo dos excepciones: las gatas –probablemente para controlar la población de roedores– y las gallinas. El origen del veto a las mujeres nace de la perspectiva religiosa tradicional, en la que Athos se alza como un espacio utópico en el que se materializa el ideal del religioso célibe masculino: vivir sin distracciones ni tentaciones.

Pese a esta prohibición (y dejando de lado el delirante machismo de ese "sin distracciones ni tentaciones”), diversas mujeres han atravesado sus muros. Uno de los primeros casos documentados es el de Helena de Bulgaria, hermana del zar Iván Alejandro de Bulgaria, en el siglo XIV. Según relata Alastair Bonnet en su libro Fuera del mapa1, Helena de Bulgaria llegó allí huyendo de la peste, aunque sus pies no llegaron a tocar el suelo, ya que fue trasladada en palanquín durante toda su estancia. En los siglos posteriores sucedieron casos similares por cuestiones humanitarias, cuando los monjes dieron refugio a diversos grupos de mujeres que huían de revueltas sociales.

Sin embargo, estas solo fueron contadas excepciones y algunas mujeres llegaron a hacer un auténtico viaje prohibido al monte Athos. La más destacada fue la “competición” surgida entre la periodista y psicoanalista francesa Maryse Choisy y la griega Aliki Diplarakou, alias Lady Russell, más conocida por ser proclamada Miss Europa 1930.

Según cuenta el diario español La Voz del 10 de abril de 1935, por aquella época surgió la moda por ver quién fue la primera mujer en entrar al Monte Athos. Tal y como se explica en La Voz, la recién nombrada Miss Europa 1930 entró al lugar sagrado en 1933 vestida con ropas de hombre, autoproclamándose la primera mujer en conseguirlo. Sin embargo, Choisy protestó con el argumento de que había realizado su incursión cuatro años antes que ella, dando muestra de ello en su libro “Un mois chez les hommes”, publicado en 1929. En él, la francesa, que también se había disfrazado de hombre para pasar desapercibida, realiza una crónica cargada de acidez por la misoginia que observó en el lugar, ejemplificada en conversaciones como esta, donde Maryse habla con un novicio:

-¿Por qué está usted en el convento?

-Quiero olvidar... Las mujeres son animales sucios, vasos de impureza, criaturas de infierno y de barro... ¿Es que a usted le interesan las mujeres?

-No. A mí me interesan más los hombres. Se lo juro a usted.

Para acceder al Monte Athos se necesita un permiso especial de las autoridades monásticas y hay un número limitado de visitantes diarios y previo registro. Una opción alternativa es hacer una excursión en barco para ver el Monte Athos desde el mar (lo que hice yo). La mayoría salen de Uranópolis y las normas principales son mantener una distancia prudente de la costa y que las mujeres no pueden desembarcar.

🧪 Un experimento: La cianotipia más grande del mundo

El azar quiso que en Tesalónica, a dos días de terminar mi viaje, encontrase un guiño al experimento de cianotipia que estoy realizando durante mi viaje y del que hablé en el Laboratorio #12 (en cada uno de los lugares visitados estoy realizando una pequeña recolección de sus hojas y flores para convertirlas en arte viajero).

Ocurrió en un callejón del centro de la ciudad, al pasar frente a una pequeña galería de arte. A través del cristal, vi un cartel que no era un cartel: era un certificado. Concretamente, un certificado del libro Guinness de los Récords que reconocía a un tal Stefanos Tsakiris (el dueño de la galería) como el autor de la mayor fotografía de cianotipia del mundo, con 276,72 m cuadrados, realizada en 2017.

Esta cianotipia (bautizada como Gyanotype2, combinación de "Gigante" y "Cianotipo") fue creada por Stefanos Tsakiris y su equipo. Fue realizada sobre tela de algodón con la participación de unas 70 personas que se acostaron durante varios minutos sobre un lienzo de 100 metros de largo ubicado en el paseo marítimo de Tesalónica

Una acción fotográfica artesanal y colectiva en tiempos del individualismo digital de Instagram y Tik tok.

🗺 Un destino fuera de ruta: un safari en Europa

Monte Athos podría encuadrarse como “fuera de ruta” en un país como Grecia, donde la gran mayoría de turistas no sale del combo Atenas-Meteora-Santorini.

Pero hay un lugar que he tocado en este viaje que es mucho más fuera de ruta y al que merece dedicarle una parte de este Laboratorio: el Parque Nacional del Lago Kerkini, ubicado en el norte de Grecia.

El Lago Kerkini es un humedal artificial creado en 1932, tras la construcción de una presa en el río Strymon, cerca de la localidad de Lithotopos. El objetivo inicial de esta obra de ingeniería era doble: mitigar las inundaciones estacionales del río y proporcionar agua para la irrigación de las vastas llanuras agrícolas de Serres.

A lo largo de las décadas, el embalse se transformó gradualmente en un ecosistema dinámico, y su posición geográfica estratégica en las rutas migratorias entre los Balcanes y el mar Negro lo convirtió en un paraíso para la fauna.

Aquí puedes ver una variedad asombrosa de aves, desde grandes colonias de pelícanos ceñudos hasta flamencos rosados. De hecho, en mi viaje vi los primeros en llegar de este año, una avanzadilla procedentes de Turquía y cuya misión es ver si el lago está en condiciones. Una vez hecho esto, regresan y avisan al resto de la colonia y migran todos en el mes de septiembre.

Además de estas aves acuáticas, el lago y sus alrededores son el hogar de mamíferos como los imponentes búfalos de agua, que a menudo se ven pastando o sumergidos.

🔥 Un disparador creativo: Radio Deftero Programma

En el primer viaje a Grecia que realizamos juntos mi pareja, Eva, y yo hace unos años, descubrimos una emisora que bautizamos como la Radio 3 griega (para quienes no conozcan esta radio, es una emisora que destaca por la calidad y variedad de su música). Su nombre es Deftero Programma (Δεύτερο Πρόγραμμα)3, segundo programa, la segunda estación de radio pública de la emisora estatal de Grecia.

En nuestros viajes por Grecia solemos alquilar coche y nos encanta sintonizar las radios locales. En este caso, dimos con una joyita: una emisora puramente de música que va desde los ritmos tradicionales hasta el rock, pasando por el hip hop, el swing o los ritmos latinos. Todo en griego.

Esta radio se puede sintonizar desde el extranjero, pero si tienes pensado un viaje a Grecia, esta emisora te puede descubrir temas muy, muy buenos.

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📲 Un recurso TravelTech: FindPenguins

Durante nuestro viaje, hemos utilizado la app FindPenguins para ir registrando nuestra ruta.

Esta es una aplicación de viaje diseñada para que los viajeros planifiquen, rastreen y compartan sus aventuras. Permite registrar tu ruta automáticamente, incluso sin conexión y de forma eficiente con la batería del teléfono. Puedes crear "huellas" (posts) con fotos, vídeos y textos sobre los lugares que visitas, formando un diario de viaje digital. La app también te permite generar vídeos 3D de tus rutas (como este que creé a mitad de viaje) o convertir la ruta en un libro de fotos impreso.

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Un abrazo y hasta el número #14 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de septiembre. En agosto no mandaré, por lo que, para entonces, ya podré mostrar el resultado de mi experimento de cianotipia.

Y os podré adelantar algunas cosas que vendrán con el nuevo curso.

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Este capítulo, que vuelve a pillarme en plena ruta de 3 meses de viaje, trata sobre Normandía, Suiza y Atenas.

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En este capítulo voy a explorar esta parte de mi ruta a través de:

• 🎨 Un viaje creativo: Ruta del impresionismo en Normandía

• 🗺 Un itinerario creativo: Walking with the Philhellenes

• 🧪 Un experimento: Muestreo de hojas para cianotipia

• 🔥 Un disparador creativo: La preciosísima librería de un amigo

• 📲 Un recurso TravelTech: tokentrotter: jugar, viajar, aprender, ganar

🎨 Un viaje creativo: Ruta del Impresionismo en Normandía

Viajemos al París de finales del siglo XIX. En aquel momento, en el arte, se consideraba que había una forma "correcta" y "seria" de pintar, que era la que se enseñaba en las escuelas de arte importantes. A eso se le llamaba el arte académico o clásico. Uno de esos principios era que los pintores hacían todo dentro de sus talleres, donde la luz era siempre la misma y podían controlar cada detalle a la perfección.

Bien, pues un puñado de artistas hizo saltar este academicismo por los aires. Buscaron la libertad al aire libre, obsesionados con pintar la luz natural y el color vibrante del instante. Rompieron con todo, dando origen al Impresionismo. Para estos pintores, Normandía fue uno de sus lugares predilectos. Algo encontraron en sus paisajes, su costa, su luz, que convirtieron este territorio en su musa.

Durante mi viaje, he podido visitar algunos de los lugares de la llamada 1, un viaje inmersivo a los lugares que moldearon esta nueva forma de pintar.

El corazón del viaje es Giverny, hogar de Claude Monet. Sus famosos jardines, con el estanque de nenúfares y el puente japonés, fueron su laboratorio. Monet pasó años capturando la esencia efímera de la naturaleza.

Desde Giverny, la ruta continúa en Rouen, cuya imponente catedral fue un estudio para Monet, Pissarro y Sisley, fascinados por cómo la luz cambiaba su aspecto.

Atención a esta serie de Monet captando la fachada de la catedral de Rouen desde el mismo ángulo en diferentes momentos del día para captar los cambios de la luz, los colores…

La ruta continúa por la Costa de Alabastro, con acantilados como los de Étretat. Aquí artistas como Monet, Morisot y Boudin exploraron la fuerza del mar y la atmósfera cambiante. Cerca, en Le Havre, nació el nombre del movimiento. Allí, Monet pintó "Impresión, sol naciente". Por último, la Península de Cotentin, con paisajes salvajes, también inspiró a pintores como Millet en sus inicios, buscando plasmar la naturaleza pura.

🗺 Un itinerario creativo: Walking with the Philhellenes

En Atenas, existe una ruta que mucha gente ignora llamada "Walking with the Philhellenes"2. Es una forma de recorrer la ciudad de una forma muy diferente a la habitual: a través de los llamados filohelenos, descubrir a esas diversas figuras internacionales que fueron una especie de fans de Grecia y que apoyaron su lucha por la independencia.

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, muchos intelectuales, escritores, artistas e incluso soldados de toda Europa y América sentían una profunda admiración por la antigua Grecia: su filosofía, su democracia, su arte. Para ellos, Grecia era la cuna de la civilización occidental.

Cuando Grecia se levantó contra el Imperio Otomano en 1821 para conseguir su independencia, este amor por lo griego se transformó en un apoyo activo. Miles de filohelenos, inspirados por ideales de libertad y por la visión romántica de la Grecia clásica, no solo recaudaron fondos o escribieron poemas a favor de la causa griega (como el famoso Lord Byron), sino que muchos incluso vinieron a luchar en el campo de batalla, arriesgando y, a menudo, dando sus vidas.

La ruta "Walking with the Philhellenes" en Atenas permite recorrer las calles de la ciudad y encontrar las huellas de estos héroes. Exiztem más de 60 señales inteligentes en calles y plazas que llevan el nombre de estos filohelenos (como las calles Santarosa, Webster o la misma calle Filellinon). Cada señal tiene un código QR que permite acceder a información adicional, textos históricos y hasta podcasts sobre la vida y contribuciones de cada personaje.

🧪 Un experimento: Muestreo de hojas para cianotipia

En 2015 creé mi blog Un viaje creativo para recorrer y contar el mundo. Desde entonces, el eslogan que ha movido mis pasos ha sido este:

La escribió Javier Reverte en uno de sus artículos y resume uno de mis grandes objetivos: usar el viaje como herramienta creativa, como un pintor usa su pincel, así hacer yo con el movimiento geográfico. De hecho, de ese concepto surgió este Laboratorio.

Durante este viaje estoy llevando a cabo una forma de creación que pueda mostrar los lugares visitados de una forma distinta: la cianotipia.

Este es uno de los procesos fotográficos más antiguos que existen y que permite convertir la luz solar en arte, creando imágenes de un distintivo color azul.

Todo empieza preparando una superficie, como papel o tela, con una solución química especial que reacciona a la luz ultravioleta. Luego, se coloca directamente sobre ella un objeto (una hoja, una flor, un trozo de encaje) o un negativo.

Al exponerlo al sol, las áreas iluminadas comienzan su transformación. Una vez completada la exposición, un simple lavado con agua revela la imagen: un profundo y vibrante azul Prusia donde la luz actuó, contrastando con las siluetas claras que dejó el objeto. Es una técnica sencilla, casi alquímica, que da como resultado piezas únicas.

En cada uno de los lugares visitados estoy realizando una pequeña recolección de sus hojas y flores más características, aquellas que más he ido observando que se repiten o que, de antemano, ya conozco su carácter autóctono (el olivo en Grecia, por ejemplo).

Mi idea es crear una imagen en cianotipia con cada una de ellas, una imagen que muestre, de una forma distinta, los lugares visitados. Como aún me encuentro en ruta, solo puedo mostrar los ejemplares (que, por cierto, guardo en el interior del libro 60 grados norte, del que hablé en el Laboratorio #113), no el resultado final del experimento (espero poder enseñar algo mínimamente potable).

🔥 Un disparador creativo: La preciosísima librería de un amigo

El paso de este viaje por Suiza no fue para ver montañas, sino para ver amigos. Estos son una pareja suizo-argentina que conocí en Armenia y que estuve a punto de conocer en Nueva Zelanda (ella era amiga de mi pareja, Eva, coincidieron cuando Eva dio una vuelta al mundo años atrás).

Estos amigos viven en Stans, un pequeño pueblo en el corazón del país, muy cerquita de Lucerna. Es aquí donde la familia de mi amigo tiene desde hace décadas una librería que, en sus plantas superiores, guarda un secreto que enamora a todo amante de los libros: dos plantas de libros de anticuario. Estanterías y estanterías de madera, llenas de libros cuyas tapas cuentan tantas historias como su propio contenido. Pero esta librería no solo es una locura para un bibliófilo, también lo es para un amante de la fotografía.

Esta es uno de sus rincones, tomado desde mi móvil.

Encontrar lugares así durante un viaje es una de las inyecciones creativas que más me inspiran.

¿Y a ti? ¿Qué es lo que más te inspira encontrar durante tus viajes?

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📲 Un recurso TravelTech: tokentrotter: jugar, viajar, aprender, ganar

Este mes termina, al menos de forma temporal, mi colaboración en un proyecto viajero que me ha ocupado la mayoría del tiempo desde noviembre de 2024. Su nombre es tokentrotter y es una app de tours, audioguías, gymkanas y juegos viajeros que busca ser una herramienta para los que viajan con curiosidad. Y además, permite ganar recompensas (físicas) mientras viajas. Es una aplicación "travel and earn".

Mi función ha sido encargarme del contenido de los tours y las audioguías y, he de decir que, a día de hoy, es un instrumento super potente para tener como compañero de viaje. Estará raro que lo diga, yo que estoy en el proyecto, pero tras muchas horas de analizar qué es lo que busca la gente y pensar lo que le podría gustar encontrar a la hora de visitar una ciudad, la app se ha ido convirtiendo en un muy útil planificador y asistente cultural y de ocio.

Por ejemplo, puedes descubrir Madrid desde su cara literaria, Milán junto a Leonardo Da Vinci o Praga desde sus sucesos trágicos, que, te sorprendería, son unos cuantos a lo largo de la historia, incluidas varias defenestraciones (es decir, arrojar a alguien por una ventana).

La App se encuentra en espera de conseguir más financiación para continuar su desarrollo e inversión de publicidad, pero a día de hoy está super funcional y lista para ser disfrutada.

Te dejo aquí el enlace de descarga (para Android y Apple) por si quieres echarle un ojo para recorrer tu ciudad o algún lugar al que vayas en tus vacaciones si coincide con una de las 40 ciudades que tenemos creadas. Además, con tu descarga (y tu valoración -positiva, a ser posible 😅-), nos ayudas a que la App siga en vuelo.

Y hasta aquí esta edición en ruta del Laboratorio de viajes creativos. En la próxima, hablaré de los siguientes pasos de la ruta, que seguirá por Grecia hasta mi vuelta.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, a ver si les apetece apuntarse al Laboratorio.

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Un abrazo y hasta el número #13 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de marzo.

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Este capítulo, que me pilla en plena ruta de 3 meses, trata sobre París e islas Feroe

🐧🐧🐧🐧🐧🐧🐧🐧🐧🐧🐧🐧 (no hay emoji de puffins, así que pongo un pingüino)

En este capítulo voy a explorar esta parte de mi ruta a través de:

• 🎨 Un viaje creativo: Space Invaders en las calles de París

• 🗺 Un itinerario creativo: Islas Feroe. Mikynes.

• 🧪 Un experimento: Mini historias del Otro Paris

• 🔥 Un disparador creativo: 60 grados norte

🎨 Un viaje creativo: Space Invaders en las calles de París

Una invasión se esparce por las calles de París desde finales de los 90. Paseando estos días por la capital francesa, vi algo que va más allá de los grandes monumentos, palacios y edificios parisinos: una serie de mosaicos pixelados adheridos a las fachadas. No son meras decoraciones accidentales, sino las distintivas obras de Invader, un artista urbano francés.

Invader ha transformado las calles de París en un lienzo al aire libre. Sus creaciones, elaboradas con pequeños azulejos cerámicos, rinden homenaje al icónico videojuego Space Invaders, fusionando la nostalgia de la era digital con el arte contemporáneo. Esta práctica artística desafía las concepciones tradicionales de las galerías, llevando la expresión creativa a los espacios públicos y democratizando el acceso al arte.

Invader documenta1 cada "invasión", registrando la ubicación y el progreso de sus intervenciones urbanas. Esto le da a su obra una dimensión lúdica, invitando a los observadores a participar en una especie de búsqueda del tesoro urbano. La naturaleza efímera de sus mosaicos —sujetos al paso del tiempo, el vandalismo o las labores de limpieza— añade un valor a cada encuentro, convirtiendo cada descubrimiento en una experiencia única.

Si alguna vez recorres las calles de París, camina con cuidado. Es posible que un pequeño alienígena pixelado te observe desde lo alto de una pared.

🗺 Destino creativo: Islas Feroe. Mikynes.

Me gustan los destinos poco usuales. En estos años he viajado al lugar poblado por civiles más al norte del planeta; a una aldea perdida a 35 horas en barco entre los fiordos chilenos; a una isla de Polinesia que hizo un referéndum donde la población decidió que no se instalarían resorts vacacionales; al desierto verde del Chaco Paraguayo; al lugar de la isla norte de Nueva Zelanda donde un español inició un clan maorí... De todos ellos iré hablando en distintos Laboratorios.

Pero ahora voy a hablar del último lugar poco usual que he visitado, en el que he estado hace pocos días: las Islas Feroe. Este archipiélago, parcialmente independiente (forma parte del reino de Dinamarca), se ubica entre Escocia e Islandia. Es un ramillete de islas y fiordos donde las poblaciones se ubican al borde del mar y donde las carreteras se interconectan a través de túneles subacuáticos. El más largo, el Túnel de Eysturoyartunnilin, tiene 11 kilómetros de longitud y alcanza casi los 200 metros bajo el océano Atlántico (Tiene hasta una rotonda).

Feroe es uno de esos lugares donde sientes que el ser humano ha tenido que hacer grandes esfuerzos para habitar algunos territorios. En el caso de Feroe, como país nórdico, es un lugar donde se vive bien si tienes dinero (para calefacción, sobre todo) y ganas de tener momentos de luz y/o oscuridad casi constante, según el momento del año. Cada pueblo, cada casa, da la impresión de estar ubicado en el lugar idóneo para la foto, junto a una cascada, un riachuelo, una playa, un acantilado.

Podría extenderme horas hablando de todo lo que me encontré en Feroe, pero de todas las islas que forman el archipiélago, hay una, Mykines, la más occidental de todas, que tiene una gran singularidad: es el lugar elegido por los frailecillos, unas aves que parecen estar a medio camino entre los pingüinos y los patos. Estos se ubican en una zona de acantilados en concreto de la isla, los más septentrionales. Durante los meses de mayo y agosto, los frailecillos se pasean entre la hierba y sobrevuelan el acantilado en busca de pequeños crustáceos, calamares y gusanos marinos. Tuve la suerte de pillarlos por allí, con sus andares torpones y su mirada adorable.

Sobre Mykines, diré que es una isla extrema. Durante los últimos meses de otoño y hasta mediados de primavera, la comunicación deja de ser por barco y pasa a ser por helicóptero. Si alguien de los no más de 15 habitantes del único poblado que hay en la isla necesita algo de compra, esta debe ser traída por aire.

Esto es, precisamente lo que busco em los lugares a los que viajo: que no me dejen indiferente.

🧪 Un experimento: Mini historias del “Otro Paris”

En los días por París, mi pareja, Eva, hizo un experimento-juego donde hizo una de las cosas que mejor se le da hacer: contar historias. Fuero la mini historias del Otro París. Eva pidió por stories de Instagram que la gente le dejara frase de máximo 6 palabras y, a partir de estas, ella continuaba con un mini relato, añadiendo una foto (tomada por ella) de ese "otro París".

Salieron un buen número de relatos que puedes leer aquí.

🔥 Un disparador creativo: “60 grados norte” de Malachy Tallack

Una exploración que va más allá de los mapas y las geografías convencionales se extiende por las páginas de "60 grados norte", de Malachy Tallack. Para cada viaje, siempre elijo un libro. Elegirlo es para mí una especie de ritual en el que, a veces, empleo días. Estos libros no son solo lecturas; los uso como cuadernos de anotaciones, carpetas viaje y fuente de inspiración. En este viaje particular, "60 grados norte" es el libro elegido, a pesar de que mi ruta no ha tocado ninguno de los puntos de latitud 60 que explora el libro (Feroe está por encima del paralelo 60).

Elegí la obra de Tallack por su concepto de búsqueda de hogar, un tema que me puede servir de ancla para un reportaje que tengo en mente (un reportaje que tengo que escribir a raíz de ganar, el año pasado, el XXXVII Premio de Periodismo Turístico Mañé i Flaquer.

El autor nos transporta a una latitud que evoca aislamiento y reflexión: el paralelo 60 norte. Su escritura nos conduce a través de paisajes tanto externos como internos, mientras recorre las tierras que comparten esta línea imaginaria, desde sus nativas Islas Shetland hasta Groenlandia, Canadá, Alaska, Siberia y los países nórdicos. Este viaje escrito invita a explorar la conexión entre el ser humano y el lugar que habita.

La elección de este libro también se nutre del conflicto con la sensación de hogar, algo que conecta con lo que me ocurre con el lugar donde resido, en Vigo (como ya conté en el Laboratorio#4, Ciudades. Tallack construye su obra observando las comunidades humanas que habitan en esa latitud. Cada relato de viaje, cada reflexión personal, se convierte en un fragmento de un mosaico mayor, ofreciendo una visión profunda de la condición humana y la búsqueda del hogar.

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Y hasta aquí esta edición en ruta del Laboratorio de viajes creativos. Em la próxima, hablaré de los siguientes pasos de la ruta, entre ellos, Normandía.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, a ver si les apetece apuntarse al Laboratorio.

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Un abrazo y hasta el número #12 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de marzo.

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Salvo en esta ocasión.

En este capítulo no va a haber propuestas, ni experimentos ni recursos sobre viajes, arte…

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De hecho, si te fijas, no lo he enviado cuando suelo enviarlo (el último viernes de cada mes).

Y es que estoy (estamos) a punto de volver a las andadas. A partir de hoy mismo comienza un viaje que nos llevará a Eva (mi pareja), Maia (nuestra hija de un año) y a mí desde Islas Feroe hasta Grecia a lo largo de tres meses (por cierto, lo estaremos registrando en una App-bitácora interactiva muy interesante llamada FindPenguins, ya te contaré, pero si te la descargas podrás ir viendo in situ el trayecto…).

*Digo volver a las andadas porque, juntos, ya recorrimos durante meses lugares como Sudamérica y Polinesia Frances y, solos, Asia, Oceanía y una vuelta al mundo (en el caso de Eva).

¿Y por qué no hay Laboratorio?

Pues porque:

1. No he tenido tiempo material para crear un contenido de calidad. Pero sobre todo porque…

2. …quiero hacerte una consulta que va a determinar si sigo con la misma dinámica del Laboratorio o le doy una vuelta y lo reinvento para adaptarlo mejor a vosotros.

Para ello, te voy a pedir que contestes a este cuestionario. Él me dará las pistas para saber cómo orientarlo, sobre todo en estos meses de viaje (porque pueden ser muy provechosos para hacer experimentos e investigar durante la ruta, y así plasmar esto por aquí).

Si te da pereza/no puedes contestar al formulario (por lo que sea), puedes contestarlo respondiendo directamente a este e-mail con la opción que elijas. Como te he dicho, tu respuesta me puede ayudar mucho para saber por dónde seguir. Siempre es necesario un análisis, y tras 10 números, lo veo apropiado.

Por cierto: si me quieres seguir durante el viaje, es probable que lo vaya contando por Instagram aparte de la App FindPenguins.

Un abrazo y hasta el número #11 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de mayo, que me pillará en… (ya te contaré en ese número, si no me has ido siguiendo).

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Este capítulo va a tratar sobre museos.

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Soy un homo museísticus, lo reconozco. Adoro los museos, son como mi segundo hogar, sobre todo los de arte. Pero reconozco que hay algo que me gusta aún más que los propios museos: las tiendas-librería del museo.

Mientras visito una exposición, mi mente ya está fantaseando con lo que habrá al final, con los libros que, a propósito de la muestra, están disponibles para hojear y comprar (muchos de ellos bastante difíciles de encontrar).

Precisamente, por este amor que profeso a las librerías de los museos, esta semana me llevé un buen chasco al descubrir que la librería La Sal, ubicada en el museo Marco de Vigo, iba a cerrar sus puertas esta semana.

Mi relación con esta ciudad no es la mejor (esto ya lo conté en el Laboratorio #41, centrado en ciudades). Si a esto se le suma el hecho de que, de los pocos museos con los que cuenta, su principal centro de arte se queda sin librería… pues apaga y vámonos.

Y a ti, ¿te pasa como a mí que tienes adicción por las librerías de los museos?

En este capítulo voy a explorar los museos a través de:

• 🎨 Un viaje creativo: “Postaler”, de Perejaume

• 🗺 Un itinerario creativo: Ruta de Silos creativos de Ciudad Real

• 🧪 Un experimento: Buscador de obras de arte espontáneas

• 🔥 Un disparador creativo: El Museu Més Petit del Món

• 📲 Un recurso TravelTech: Mondrian y la música (exposición digital)

I.D. (Interdata): Antes de continuar, te voy a pedir que me respondas a una pregunta. Es importante porque me va a permitir crear contenido más afín a tus gustos.

Es tan sencillo como responder directamente a este e-mail escribiendo solo el número (no hace falta toda la frase). Aunque es preferible la concreción, vale la respuesta múltiple.

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🎨 Un viaje creativo: “Postaler”, de Perejaume

El viaje creativo de este Laboratorio lo protagoniza un hombre que pasea por el monte. A su espalda, carga con un objeto voluminoso: un expositor de postales vacío. Si se le observa desde la distancia durante su ruta, se le puede ver colocando el postalero en diferentes ubicaciones y rellenándolo con espejos del tamaño de postales.

Ese hombre se llama Perejaume y no es la primera vez que aparece en el Laboratorio. En el #6 ya fue protagonista de otro viaje creativo cargando tres dibujos de pies en su mochila mientras intentaba salir caminando de la ciudad de Madrid.

A esta acción artística, Perejaume la llamó Postaler y, en ella, seleccionó lugares donde la luz y el entorno creaban una atmósfera especial. En cada lugar, colocaba el expositor dejando que los espejos reflejaran el paisaje circundante: árboles, arroyos, rocas. Cada espejo capturaba una visión única, transformando la realidad en un museo efímero. Perejaume realizó fotografías del postalero en todas sus ubicaciones y, al final del recorrido, acumuló una colección de imágenes reflejadas, postales instantáneas y caducas del paisaje.

"Postaler" es una acción que replantea la relación entre el arte, el territorio y la experiencia del viaje. Y de replantear también la forma de mirar ese territorio. Cada reflejo es una postal y, cada postal, un detalle del paisaje, un detalle efímero que, hasta que no se convierte en reflejo, pasa inadvertido.

Este concepto de replantear la forma de mirar el territorio la voy a volver a tocar en la sección del experimento.

🗺 Itinerario creativo: Ruta de Silos creativos de Ciudad Real

Entre 2019 y 2020, un grupo de artistas internacionales, bajo la curaduría de Okuda San Miguel, transformaron varios silos de grano en desuso de Ciudad Real en lienzos de arte urbano, creando una ruta museística única en el paisaje rural de la provincia. Fue el proyecto Titanes2.

Este proyecto, financiado por la Diputación de Ciudad Real, fue una iniciativa de inclusión social que involucró a personas con capacidades diferentes. En total, 450 personas con discapacidad, coordinadas por 50 monitores, colaboraron en la creación de esta ruta de arte mural.

Cada silo cuenta una historia diferente, desde las leyendas de La Mancha en Calzada de Calatrava hasta la lucha interior representada en Campo de Criptana, usando diferentes estilos y técnicas, desde formas abstractas hasta elementos figurativos.

Los silos que forman parte del proyecto Titanes y la ruta de Silos se encuentran en los siguientes pueblos de la provincia de Ciudad Real:

• Calzada de Calatrava

• Campo de Criptana

• Corral de Calatrava

• Herencia

• La Solana

• Malagón

• Manzanares (con dos silos intervenidos)

• Porzuna

• Villanueva de los Infantes

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🖖 Breve inciso autopromocional:

Hace poco empecé, a través de mi blog, un servicio de diseño de rutas e itinerarios personalizados por Galicia (donde vivo).

Yo me encargo de planear la ruta día a día y a medida y el viajero de confirmar el itinerario y contratar las actividades y alojamientos. Si vais a venir de viaje o conocéis a gente que le pueda interesar, agradezco la difusión.

Aquí está toda la info

🧪 Un experimento: Buscador analógico de obras de arte espontáneas

Cualquier lugar puede ser un museo: tu calle, el supermercado, el vestuario del gimnasio, incluso tu casa. Solo basta un instrumento, por ejemplo este:

Puede parecer una cinta doble cara, pero, en realidad, es un “Buscador analógico de obras de arte espontáneas”.

De hecho, solo es uno de los muchos buscadores analógicos que existen. Puede ser un marco de fotos vacío, la argolla de un llavero. Incluso, como hizo Perejaume, un pequeño espejo de mano.

Explico el experimento:

👉 El experimento:

Cuando viajamos, estamos tan acostumbrados a buscar los lugares emblemáticos que, muchas veces se nos olvida que un destino son todos y cada uno de sus detalles. Las calles de una ciudad están llenas de pequeños elementos que le otorgan identidad y belleza al lugar. La suma de esos pequeños elementos conforman la personalidad de ese sitio.

El experimento consiste en construir tu propio buscador analógico y lanzarte a buscar en tu calle, en tu casa, donde quieras, pequeñas obras de arte que, en conjunto, crean el museo cotidiano de ese espacio.

Yo, por ejemplo, elegí mi casa. He subido algunas de las obras de arte que encontré en un post de Instagram:

👉 Resultados del experimento:

El buscador analógico fuerza tu curiosidad y tu capacidad de observación. Te lleva más allá de lo obvio y te hace repensar el espacio, mirándolo de diferente manera y de diferentes ángulos. También ayuda a resaltar lo que te atrae de un sitio, a hacerte comprender por qué un espacio te parece bello.

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🔥 Un disparador creativo: El Museu Més Petit del Món

El "Museu més petit del món3" es una sorpresa escondida en el corazón del barrio barcelonés de Gràcia. Se trata de un proyecto artístico único que transforma antiguas cajas de llaves de agua abandonadas en mini galerías de arte. La mente creativa detrás de este museo es Noemí Batllori, propietaria de 'L'Hospital de les Joguines', quien, junto a su hija Gala, convirtió estos rincones olvidados en obras de arte en miniatura.

El museo se expande por las calles de Gràcia, convirtiendo el barrio en una galería ambulante llena de sorpresas. Cada una de las puertas que se pueden abrir revela escenas diferentes, desde homenajes a artistas locales hasta representaciones mágicas de granjas y bosques. Además, el museo es interactivo, invitando a los visitantes a participar agregando sus propias obras, convirtiéndose en artistas temporales y contribuyendo a la evolución continua de este peculiar museo.

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📲 Un recurso TravelTech: Mondrian y la música (exposición digital)

En plena pandemia de la Covid-19, cuando el mundo estaba recluido, la Fundación Juan March se propuso llevar un museo hasta nuestras casas con una exposición digital: Mondrian y la música4, un viaje para descubrir los ritmos que impulsaron al pintor holandés Piet Mondrian.

Hoy día, aún se puede ver esa exposición, diseñada por los genios de Prodigioso Volcán. Se trata de una virguería visual que cuenta la relación de Mondrian con la música de los años 20, 30 y 40. El espacio digital alberga los ritmos que marcaron el viaje de Piet Mondrian. Se estructura en dos partes principales: una experiencia sonora que explora las canciones que lo marcaron, y una exploración de los ritmos identificados con el artista y sus influencias musicales.

El diseño web es una auténtica maravilla que, de hecho, ganó un premio Webby (galardones que premian a los mejores sitios web del mundo). Se basa en la paleta 🟥 de colores 🟨 de Mondrian 🟦, utilizando colores primarios para los fondos y tonos neutros para los títulos y barras de sonido.

El estilo gráfico incorpora líneas neoplásticas, que reflejan el movimiento artístico iniciado por Mondrian en 1917. El diseño presenta interacciones cuadradas, transiciones, formas y fondos, que recuerdan las famosas obras de Mondrian como "Composición con rojo, azul y amarillo" y "Broadway Boogie-Woogie".

*Si te fijas en el logo del Laboratorio, podrás intuir que Mondrian es uno de sus inspiradores 😉

Y hasta aquí esta edición del Laboratorio de viajes creativos.

Si te ha gustado, te agradecería muchísimo que lo compartieses con tus conocidos, a ver si les apetece apuntarse al Laboratorio.

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Un abrazo y hasta el número #11 que llegará a las 10:30 AM en horario español del último viernes de marzo.

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